In questo scenario, il concetto di “rifiuto” svanisce per lasciare spazio a quello di risorsa continua. I materiali polimerici, spesso criticati in passato per la loro persistenza nell’ambiente, oggi si stanno rivelando i protagonisti di una rivoluzione sostenibile grazie alla loro riciclabilità infinita. 

Aziende leader nello sviluppo di soluzioni per l’involucro edilizio, come Deceuninck.it, dimostrano come sia possibile coniugare alte prestazioni tecniche  e rispetto per il pianeta attraverso il recupero sistematico delle materie prime plastiche, per evitarne la dispersione nell’ambiente e il conseguente inquinamento. 

Un esempio concreto di questa sinergia è la ThermoFibra nelle finestre: pur integrando fibre di vetro continue all’interno del PVC per eliminare i rinforzi in acciaio e massimizzare l’isolamento termico, questo composito rimane al 100% riciclabile, permettendo di recuperare e reimpiegare integralmente il materiale a fine vita per estrudere nuovi profili.  

Il ciclo di vita infinito dei polimeri ad alte prestazioni

A differenza di altri materiali che degradano le proprie proprietà meccaniche dopo un singolo ciclo di riciclo, i polimeri moderni come il PVC possono essere rigenerati numerose volte senza perdere stabilità o capacità isolante, con un forte impatto nell’economia circolare, permettendo così di utilizzare materiali già esistenti, invece di doverne produrre altri nuovi. 

La sostenibilità circolare non si limita alla scelta di un materiale ecocompatibile solo durante la fase di produzione, ma riguarda l’intero ciclo di vita dell’oggetto: dalla progettazione di componenti facilmente smontabili fino alla creazione di reti di raccolta post-consumo, per fare sì che possa riprendere il ciclo vitale del materiale senza intaccarne le proprietà in nessuna fase. 

Secondo i principi dell’Ellen MacArthur Foundation, pilastro internazionale per l’economia circolare, il design deve puntare all’eliminazione dei rifiuti fin dalla fase di disegno tecnico e di progettazione, ma tutto deve essere volto al riutilizzo sin dal primo momento, in ogni fase di creazione, produzione e utilizzo.

Nell’arredo contemporaneo e nei serramenti di ultima generazione, l’uso di polimeri riciclati permette di ridurre drasticamente le emissioni di CO2 rispetto alla produzione di materiale vergine, garantendo al contempo una durabilità che si estende per decenni.

Estetica e funzionalità: la nuova frontiera del design rigenerativo

L’adozione di materiali polimerici rigenerati non è più solo una scelta etica, ma una vera e propria opportunità estetica. Le tecnologie odierne di co-estrusione e i trattamenti superficiali avanzati permettono, infatti, di ottenere finiture materiche che spaziano dal minimalismo industriale all’effetto naturale, rispondendo alle esigenze degli architetti più esigenti che puntano ad un impatto estetico di un certo tipo. 

Dunque, l’integrazione di questi materiali nell’arredo urbano e domestico offre vantaggi ineguagliabili:

• Resistenza agli agenti atmosferici: ideali per applicazioni outdoor che richiedono bassa manutenzione.
• Isolamento termoacustico: fondamentale per l’efficientamento energetico degli edifici (NZEB).
• Leggerezza e versatilità: facilitano il trasporto e l’installazione, riducendo ulteriormente l’impronta carbonica causata dalla logistica, dalla strada e dai trasporti.

In conclusione, la “seconda vita” dei polimeri rappresenta il punto d’incontro tra l’innovazione tecnologica e le crescenti responsabilità ecologiche e ambientali.

Scegliere prodotti derivanti da filiere certificate significa investire in un futuro dove il design non è solo bello e funzionale, ma profondamente integrato negli equilibri biologici e tecnici del nostro ecosistema, attento all’ambiente e alle forme di tutela del nostro pianeta.

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Scegliere il regalo giusto si rivela spesso molto più complicato del previsto e, in tante occasioni, la ricerca dell’idea perfetta può trasformarsi anche in una fonte di stress.

Che si tratti di amici, parenti o persone che conosciamo poco, trovare un dono davvero adatto non è mai semplice.

Tutti vorremmo regalare qualcosa di personale, originale e sentito, capace di sorprendere e di lasciare un ricordo positivo in chi lo riceve. Perché il valore di un regalo non è soltanto economico: ciò che conta davvero è il significato affettivo ed emotivo che racchiude e il legame che rappresenta tra le persone.

Nella scelta di un dono entrano infatti in gioco molti aspetti: l’occasione, il rapporto che ci lega alla persona, i suoi gusti e le sue esigenze, ma anche il nostro stile e il messaggio che vogliamo trasmettere attraverso ciò che scegliamo.

Un regalo, in fondo, racconta qualcosa non solo di chi lo riceve, ma anche di chi lo ha pensato e scelto con cura.

A rendere tutto ancora più complicato c’è il fatto che oggi molte persone possiedono già praticamente tutto. Trovare qualcosa di originale e non banale diventa quindi ancora più difficile, soprattutto quando si tratta di persone che conosciamo da tanti anni e a cui abbiamo già fatto numerosi regali nel tempo.

Lo stesso vale per chi ha un’età più matura e, nel corso della vita, ha già ricevuto o acquistato un po’ di tutto: in questi casi, l’idea e il valore simbolico del dono contano spesso molto più dell’oggetto stesso.

Regali di matrimonio utili per la nuova casa

Se poi pensiamo a un’occasione speciale come il matrimonio, la situazione cambia ancora di più rispetto al passato. Un tempo, infatti, il matrimonio coincideva spesso con l’inizio della convivenza e della vita insieme, rendendo più semplice scegliere regali utili per la nuova casa.
Oggi, invece, molte coppie convivono già da anni e, in alcuni casi, hanno persino già formato una famiglia con dei figli.

Questo rende la scelta del regalo ancora più complessa, perché viene meno la necessità degli oggetti “di prima necessità” e cresce invece il desiderio di trovare qualcosa di più personale, originale e significativo.

Per anni le liste nozze hanno rappresentato la soluzione più semplice: elenchi di oggetti scelti direttamente dagli sposi per arredare e completare la casa. Oggi questa tradizione è meno diffusa, ma continua comunque a essere presente, soprattutto quando gli sposi desiderano approfittare del matrimonio per ricevere oggetti più ricercati o particolari, che magari desideravano da tempo senza aver mai trovato l’occasione giusta per acquistarli.

Possono venirci in soccorso anche le partecipazioni di matrimonio, che non sono più soltanto un semplice invito cartaceo, ma diventano spesso un vero strumento per raccontare lo stile e la personalità degli sposi. Sempre più coppie scelgono infatti di creare un piccolo sito online dedicato al matrimonio, dove inserire informazioni utili sulla giornata, dettagli logistici, eventuali conferme di presenza e anche la lista nozze o le indicazioni per il viaggio di nozze o per eventuali regali.

Per gli invitati, la lista nozze rappresenta sicuramente un aiuto prezioso, perché permette di orientarsi verso scelte già approvate dagli sposi, evitando il rischio di regali inutili o poco adatti. Non tutti vogliono limitarsi alla classica busta con i soldi o a un acquisto impersonale, spesso si desidera regalare qualcosa che lasci davvero un ricordo, che abbia un significato e che riesca anche a raccontare un po’ di chi lo dona.

Le alternative non mancano: si può spaziare da piccoli accessori per la casa, come vasi e svuotatasche, fino a veri e propri oggetti d’arte, quadri o complementi decorativi. Certo, in questi casi conoscere i gusti degli sposi e lo stile della loro abitazione può fare la differenza, ma esistono anche proposte dal design essenziale, elegante e versatile, capaci di adattarsi facilmente a diversi ambienti e stili di arredo.

Idee regalo originali per sorprendere gli sposi

Ti propongo quindi una selezione di idee regalo pensate proprio per un matrimonio: oggetti originali, ricercati e dal forte valore estetico ed emotivo, adatti a diverse esigenze e fasce di prezzo.

Alcuni possono diventare il regalo principale, altri possono essere affiancati a un contributo per il viaggio di nozze, a una raccolta fondi oppure a un buono regalo per un negozio o uno shop online amato dagli sposi.

Le tazzine da caffè

Chi è che non ama il caffè?
In realtà sono davvero poche le persone che rinunciano a questa bevanda. Che sia d’orzo, macchiato, ristretto o decaffeinato, il caffè è ormai un’abitudine quotidiana presente in quasi tutte le case. E anche chi non lo beve possiede comunque delle tazzine, magari per offrirne una ad amici e parenti durante una visita.

Ovviamente quelle chi vi propongo come idee regalo, non solo le classiche tazzine da caffè, ma un oggetto di design particolare, qualcosa realizzato in edizione limitata da grandi nomi dell’arte e del design internazionale.

Le tazzine della Illy Art Collection sono vere e proprie opere d’arte da collezione create da artisti e designer internazionali. Nate dall’idea di trasformare un oggetto quotidiano in un elemento creativo ed elegante, queste tazzine uniscono design, arte e passione per il caffè, diventando un regalo raffinato e originale perfetto anche per un matrimonio.

Nel corso degli anni ne ho parlato spesso qui sul blog, presentando le nuove collezioni che ogni anno vengono realizzate: sul sito ufficiale della illy Art Collection puoi trovare e acquistare alcuni delle tazzine ideate in questi anni da artisti e designer internazionali.

I tuoi suggerisco queste due collezioni.

La illy Art Collection realizzata da John Armleder dal titolo “Tastes” e ricrea gli stessi riflessi di luce ed effetti delle celebri installazione luminose dell’artista, le “disco balls”.

E la collezione dell’artista Judy Chicago che ha creato quattro tazzine dai colori vivaci e dalle forme fluide, ispirate all’energia e alla forza femminile.
Ogni tazza rende omaggio a una donna simbolo di libertà e cultura, come Maria Antonietta, Madame de Staël, George Sand e Virginia Woolf.

Un quadro personalizzato

Tra le idee regalo più originali e sentite per un matrimonio c’è sicuramente quella di scegliere un quadro personalizzato, creato appositamente per gli sposi. Che si tratti di una giovane coppia o di una famiglia già con bambini, un dono di questo tipo riesce a raccontare emozioni, legami e ricordi in modo unico.

Le creazioni di scrivocorsivo, realizzate interamente a mano, trasformano nomi, dediche e frasi speciali in eleganti quadri dal design minimal e raffinato.

Lo stile essenziale in bianco e nero permette di adattarsi facilmente a qualsiasi tipo di arredamento e gusto personale, diventando così un regalo versatile ma allo stesso tempo estremamente intimo e significativo.

Un regali personalizzato capace di lasciare il segno.

Fiori che non appassiscono

Un altro grande classico tra i regali di matrimonio sono i fiori, dai bouquet alle piante decorative.
Ma perché non scegliere una soluzione destinata a durare nel tempo?

La collezione Vesta Design propone originali fiori in cristallo acrilico dal design creativo e colorato, perfetti per creare composizioni eleganti e fuori dal comune.

Abbinati ai vasi della stessa linea, diventano un’idea regalo raffinata e moderna, capace di portare colore, stile e significato in ogni ambiente della casa.

Realizzati con design completamente Made in Italy, questi complementi d’arredo uniscono estetica e originalità, un regalo di nozze elegante e di lusso che sicuramente sorprenderà gli sposi.

Un simbolo d’amore

Tra le idee regalo più originali e simboliche per un matrimonio c’è anche il rito dei Marimo, un dono poetico e ricco di significato pensato per rappresentare l’unione della coppia.

Due Marimo, piccole sfere verdi considerate simbolo di amore eterno e fortuna, vengono uniti all’interno dello stesso barattolo, creando un piccolo universo condiviso che racconta la nascita di una nuova vita insieme.

La presenza del cuore rosso sottomarino e della casetta rende questa composizione ancora più romantica e simbolica, trasformandola in un ricordo speciale da conservare nel tempo.

Realizzato artigianalmente in Italia, ogni creazione è unica e personalizzabile: è infatti possibile aggiungere ulteriori elementi decorativi per rendere il dono ancora più personale e vicino alla storia degli sposi.

Sono disponibili infatti tutta una serie di animaletti e decorazioni in vetro da aggiungere a quello che diventa un vero e proprio acquario personale.

Un’idea regalo originale, delicata e dal forte valore emotivo, perfetta anche come elemento simbolico durante la cerimonia civile o in un momento speciale del ricevimento.

Una lampada da tavolo

Le lampade di design rappresentano una delle idee regalo più eleganti e versatili per un matrimonio.
Oltre alla loro funzione pratica, sono veri e propri elementi d’arredo capaci di trasformare l’atmosfera di una casa, aggiungendo personalità, stile e carattere agli ambienti.

Regalare una lampada significa scegliere un oggetto destinato a durare nel tempo, che gli sposi potranno utilizzare ogni giorno ricordando un momento speciale.

Tra le proposte più interessanti c’è la Clizia di Slamp, disegnata da Adriano Rachele.

Ispirata alle forme leggere e poetiche della natura, questa lampada crea raffinati giochi di trasparenze e riflessi, diventando un complemento d’arredo decorativo oltre che funzionale.

Dotata di batteria ricaricabile con lunga autonomia, può essere facilmente spostata e utilizzata sia negli spazi interni che outdoor, perfetta per illuminare una tavola, un soggiorno o una camera da letto con un tocco scenografico e contemporaneo.

Un regalo di design Made in Italy capace di unire estetica, innovazione e praticità.

Puoi trovare qui una selezione di 25 lampade che possono essere un perfetto dono di nozze.

Un pezzo di design per la cucina

Molti oggetti pensati per la cucina sono diventati nel tempo vere e proprie icone del design. Accessori nati per svolgere una funzione pratica che, grazie alla ricerca estetica e alla qualità dei materiali, hanno acquisito anche un forte valore decorativo.

Scegliere uno di questi oggetti come regalo di matrimonio non significa semplicemente regalare qualcosa “per la cucina” o legato al classico corredo, ma donare un elemento scelto con cura, gusto e attenzione. Un oggetto bello da vedere, piacevole da utilizzare ogni giorno e capace, in alcuni casi, di diventare persino un piccolo pezzo da conservare e tramandare nel tempo.

Tra gli oggetti di design più iconici da regalare per un matrimonio c’è anche Il Conico, il celebre bollitore disegnato da Aldo Rossi per Alessi.

Nato dalla trasformazione delle forme geometriche tipiche dell’architettura di Rossi in un oggetto d’uso quotidiano, questo bollitore è diventato negli anni una vera icona del design italiano. Realizzato in acciaio inox 18/10 e adatto anche ai piani a induzione, unisce qualità, funzionalità ed estetica in un equilibrio perfetto.

Le sue linee essenziali e senza tempo trasformano un gesto semplice come preparare tè o caffè in un piccolo rituale quotidiano, rendendolo non soltanto un accessorio per la cucina, ma un vero oggetto da collezione, pensato per durare e arredare con eleganza.

Un’altra idea come regalo per gli sposi è lo spremiagrumi più famoso e interessante della storia del design: stiamo parlando di Juicy Salif disegnato nel 1990 da Philippe Starck per Alessi.

Un oggetto iconico, uno spremiagrumi dalla forte personalità con la sua forma così scultorea e innovativa, tanto da renderlo un vero e proprio complemento d’arredo.

Nato da un’intuizione del designer mentre era a pranzo sull’isola di Capraia, la sua forma è un richiamo al piatto che stava mangiando, un piatto di calamari, che è stata l’ispirazione per un grande mollusco con il limone da spremere sopra.

La scelta perfetta se cercate un pezzo d’autore, un oggetto di design elegante e molto scenografico.

Puoi acquistarlo qui.

Set piatti ricercati

Tra le tendenze regalo matrimonio del momento ci sono anche i servizi di piatti dal design ricercato. Non più i classici servizi composti da decine di elementi, ma collezioni più essenziali, realizzate handmade oppure firmate da designer e brand capaci di trasformare la tavola in un vero elemento decorativo.

Tra le proposte più originali ci sono i Set piatti di 23bassi, accessori che celebrano l’architettura e la bellezza del patrimonio italiano attraverso dettagli decorativi raffinati.

Il set Venezia, ad esempio, si ispira ad alcuni dei luoghi simbolo della città: il piatto fondo richiama la pavimentazione del Camerino delle Antichità di Palazzo Grimani, mentre il piatto piano riprende le geometrie della facciata di Palazzo Ducale affacciato su Piazza San Marco.

Un’idea regalo elegante e originale, perfetta per chi ama il design, l’arte e gli oggetti capaci di raccontare una storia anche attraverso la tavola.

Una piccola scultura

Lineasette è un’azienda italiana che da oltre quarant’anni realizza complementi d’arredo e oggetti in ceramica dal forte carattere artigianale. Nata nel cuore del Piemonte, unisce tradizione manifatturiera, design contemporaneo e attenzione per il territorio, creando collezioni capaci di valorizzare la materia e le lavorazioni fatte a mano.

Le sue creazioni, dalle lampade ai vasi fino agli accessori decorativi, si distinguono per forme essenziali, texture materiche e colori naturali, perfetti per chi ama uno stile elegante, autentico e senza tempo.

Proprio per queste caratteristiche, gli oggetti firmati Lineasette possono trasformarsi in idee regalo di matrimonio raffinate e versatili, adatte a diversi gusti e stili di arredamento.

Io ho spesso consigliato i loro prodotti come idee regalo per matrimoni e non solo: che si tratti di vasi, centrotavola, o elementi decorativi, risultano essere sempre oggetti raffinati, dalle linee semplici, essenziali ed eleganti.

Tra i tanti prodotti della loro collezione ti suggerisco due grandi classici:
la scultura Amanti, linee dinamiche e una grande forza espressiva che racchiude in sé la forza dell’amore; e il vaso I love you realizzato in gres ha l’iconica forma a cuore e può diventare un prezioso contenitore per riporre un mazzo di rose.

Una candela iconica

Tra le proposte regalo più eleganti e scenografiche da inserire in una casa ci sono anche le celebri candele di Fornasetti, veri oggetti decorativi capaci di unire arte, design e profumo.

In particolare, la collezione Tema e Variazioni, con gli iconici volti illustrati e le diverse espressioni che dialogano tra fronte e retro, è diventata una delle più riconoscibili e amate del brand.

Realizzate in porcellana decorata a mano e arricchite da dettagli dorati applicati a pennello, queste candele rappresentano un’idea regalo raffinata e ricercata, perfetta per gli sposi che amano il design e gli oggetti dal forte carattere artistico.

Anche la fragranza Immaginazione contribuisce a rendere speciale questo dono: note aromatiche e legnose creano un profumo elegante e senza tempo, pensato per evocare tutto l’universo creativo dell’atelier Fornasetti.

Ogni pezzo, grazie alla lavorazione artigianale, presenta piccole differenze che ne sottolineano l’unicità e il valore.

Posate vintage con incisione

Concludiamo questa selezione di idee regalo di matrimonio, con una delle mie proposte preferite: le posate vintage personalizzate, piccoli oggetti capaci di trasformarsi in ricordi unici e pieni di significato.

Cucchiai, forchette e cucchiaini in argento vintage vengono infatti incisi a mano con parole, nomi o brevi frasi speciali, creando un dono ironico, affettuoso e completamente personalizzato.

Ogni pezzo è diverso dall’altro perché realizzato a partire da autentiche posate vintage prodotte in quantità limitate, dettaglio che rende ogni creazione ancora più unica.

Un’idea regalo perfetta per aggiungere un tocco personale alla tavola degli sposi e regalare qualcosa di originale, fatto con cura e pensato appositamente per loro.

Potete acquistarle qui.

Scegliere un regalo di matrimonio oggi significa andare oltre il semplice oggetto e cercare qualcosa che sappia raccontare un’emozione, un ricordo o un legame speciale.

In un momento in cui molte coppie hanno già costruito la propria casa e il proprio stile di vita, il valore di un dono risiede sempre di più nella sua capacità di essere personale, originale e pensato con cura.

Che si tratti di un complemento di design, di un oggetto artigianale, di una creazione personalizzata o di un piccolo dettaglio simbolico, ciò che conta davvero è il pensiero che accompagna quel regalo e il significato che porterà con sé nel tempo.

L’idea perfetta non è necessariamente la più costosa, ma quella capace di sorprendere gli sposi, emozionarli e trovare un posto speciale nella loro quotidianità e nei ricordi legati a uno dei giorni più importanti della loro vita.

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La qualità dei tessili utilizzati influisce sul comfort e sulla percezione di pulizia, contribuendo a creare un ambiente rilassante e ordinato.

Scegliere asciugamani, teli e accessori realizzati con materiali naturali e morbidi permette di vivere il momento del bagno come una vera pausa rigenerante, favorendo una sensazione di freschezza e pulizia che accompagna l’intera giornata.

Come selezionare i tessili più adatti per un ambiente rilassante

La selezione dei tessili per il bagno richiede attenzione sia alla qualità dei materiali sia all’estetica.

Cotone e bamboo sono tra le fibre più apprezzate per la loro capacità di assorbire l’umidità e garantire una piacevole sensazione al tatto. È utile valutare la grammatura dei tessuti, che determina lo spessore e la capacità di asciugatura, oltre alla resistenza ai lavaggi frequenti.

I colori chiari o neutri, come il bianco, il beige o il grigio perla, sono spesso preferiti per la loro capacità di trasmettere ordine e serenità, mentre le tinte pastello possono aggiungere una nota di vitalità senza risultare invasive.

La scelta di motivi sobri o texture leggere contribuisce a mantenere un’atmosfera armoniosa e rilassante.

La routine serale: trasformare il bagno in un rifugio personale

Dedicare del tempo a una routine serale nel proprio bagno può favorire il rilassamento e migliorare la qualità del riposo. Dopo una giornata impegnativa, un bagno caldo o una doccia tiepida rappresentano un rito di transizione tra le attività quotidiane e il riposo notturno.

L’utilizzo di luci soffuse, magari con l’ausilio di candele profumate o lampade a intensità regolabile, aiuta a creare un’atmosfera distensiva. Anche la presenza di piccoli dettagli, come un tappeto soffice sotto i piedi o un set coordinato di asciugamani, contribuisce a rendere lo spazio più accogliente.

Dopo il bagno, avvolgersi in un accappatoio morbido e caldo aumenta la sensazione di comfort, permettendo di prolungare il piacere del momento di relax.

L’importanza dell’igiene e della manutenzione dei tessili

Per mantenere un ambiente bagno piacevole e salubre, è fondamentale prestare attenzione alla cura dei tessili. Lavare regolarmente asciugamani, teli e indumenti da bagno aiuta a prevenire la proliferazione di batteri e a preservare la morbidezza delle fibre.

È consigliabile seguire le istruzioni di lavaggio riportate sulle etichette, preferendo detergenti delicati e cicli di lavaggio a temperature adeguate.

L’asciugatura all’aria aperta, quando possibile, contribuisce a eliminare eventuali residui di umidità e a mantenere i tessuti freschi più a lungo. Anche la rotazione frequente dei set di biancheria permette di ridurre l’usura e di avere sempre a disposizione prodotti puliti e confortevoli.

Dettagli e accessori per una vera esperienza SPA

Piccoli accorgimenti possono trasformare il bagno di casa in uno spazio dedicato al benessere, simile a una SPA. L’aggiunta di accessori come cuscini per la vasca, spugne naturali o dispenser per saponi liquidi contribuisce a migliorare la funzionalità e il comfort dell’ambiente.

Piante verdi o fiori freschi possono essere inseriti per portare un tocco di natura e freschezza, valorizzando la luminosità tipica della stagione primaverile. È possibile arricchire la routine con oli essenziali o sali da bagno, scegliendo fragranze delicate che favoriscono il rilassamento.

La cura nella scelta e nella disposizione di ogni elemento, dai tessili alle decorazioni, permette di creare un’atmosfera armoniosa e personale, in cui prendersi cura di sé diventa un piacere quotidiano.

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Open House torna anche quest’anno con una nuova edizione che ci permetterà di entrare in case, palazzi e luoghi normalmente non accessibili, permettendoci di scoprire spazi e architetture spesso poco conosciuti.

Una manifestazione gratuita giunta alla sua nona edizione e in programma a Torino il 6 e 7 giugno.

L’idea di Open House nasce a Londra nel 1992 grazie alla fondatrice Victoria Thornton e, nel corso degli anni, si è diffusa in tutto il mondo. Oggi il network Open House Worldwide coinvolge oltre quaranta città distribuite in diversi continenti. In Italia partecipano oltre Torino, anche Milano, Roma e Napoli.

Dopo il grande successo delle passate edizioni, saranno ancora numerosissimi i luoghi aperti ai visitatori: edifici storici, architetture contemporanee, appartamenti privati, uffici, spazi verdi, strutture recuperate e luoghi normalmente chiusi al pubblico.

Tutte le informazioni, i luoghi visitabili e le possibili prenotazioni richieste, si trovano sul sito www.openhousetorino.it

Open House rappresenta un’occasione unica per conoscere più da vicino il patrimonio urbano e architettonico della città, riscoprire la storia dei luoghi che viviamo ogni giorno e riflettere sul rapporto tra architettura, spazio pubblico e qualità della vita.

“Una città progettata meglio negli edifici, negli interni, nello spazio pubblico è una città capace di farci vivere meglio.”

Open House Torino

Cosa si può visitare a Torino durante Open House?

La lista completa di quest’anno non è stata ancora resa nota, ma nel corso delle ultime edizioni, i luoghi che si potevano visitare erano circa 130-150 distribuiti in tutta la città, confermandosi uno degli appuntamenti più attesi dagli appassionati di architettura, design e storia urbana.

Il programma comprende edifici storici, palazzi istituzionali, appartamenti privati, loft contemporanei, spazi industriali recuperati, studi di architettura, cortili nascosti e terrazze panoramiche normalmente non accessibili al pubblico.

Tra i luoghi che nelle scorse edizioni hanno registrato il maggior numero di richieste figurano il Turin UN Campus, il Palazzo della Regione Piemonte, alcune residenze private nel centro storico e sulla collina torinese, oltre ai rooftop panoramici e agli edifici Liberty aperti eccezionalmente per il festival.

Molte di queste visite, soprattutto quelle su prenotazione, esauriscono i posti disponibili in poche ore, confermando il grande interesse del pubblico per gli spazi più esclusivi e difficilmente visitabili durante l’anno.

Open House Torino 2026: cosa vedere

Due giorni e 150 luoghi da visitare, direi che il tempo è poco e che bisogna fare una selezione per decidere cosa vedere, occorre stilare un programma per potersi organizzare con gli spostamenti e con gli orari anche perché alcuni luoghi si possono visitare solo dietro prenotazione.

Allora come fare per decidere cosa vedere?

Sul sito di Open House trovate l’elenco di tutti i luoghi ed edifici che si possono visitare, sono raggruppati per quartieri o per tipologie di edifici e c’è anche una mappa per farvi vedere dove sono posizionati: un modo molto pratico e veloce per individuare facilmente edifici e posizione.

Per aiutarvi ho deciso di segnalarvi qualche luogo da visitare, in particolare mi sono concentrata sulle residenze private.

A chi non piace sbirciare un po’ nelle case degli altri?
Se poi le case in questione hanno arredati di design o sono state ristrutturate in maniera insolita e originale, la curiosità non può che aumentare!
Grazie ad Open House molte porte di abitazioni private verranno aperte.

1.Casa Crêuza de mä

Via Principessa Clotilde 89

Un piccolo appartamento di appena 37 metri quadrati trasformato in uno spazio creativo e ricco di atmosfera, dove colori, riflessi e dettagli architettonici richiamano il fascino dei vicoli sul mare. Il nome, ispirato alla celebre espressione genovese “crêuza de mä”, racconta fin da subito l’identità della casa: un luogo intimo e immersivo, caratterizzato da archi, superfici specchianti e contrasti cromatici decisi.

Il blu del corridoio e le tonalità calde della zona giorno accompagnano il visitatore in un ambiente originale, contemporaneo e lontano dagli schemi tradizionali.

2.Casa MOI(TO)

Via Giordano Bruno 190

Affacciato sulle grandi arcate in cemento dell’ex MOI, storico Mercato Ortofrutticolo all’Ingrosso costruito negli anni Trenta nell’area Lingotto, questo attico racconta una delle zone più trasformate della Torino contemporanea. Dalle finestre e dalla terrazza lo sguardo si apre sul complesso architettonico e sulla passerella olimpica con il celebre arco rosso, simboli della riqualificazione urbana avviata in occasione dei Giochi Olimpici invernali del 2006.

Gli interni della casa prendono ispirazione proprio dagli spazi industriali dell’ex mercato: archi, linee essenziali e dettagli contemporanei accompagnano il visitatore in un percorso tra arte e architettura. Gli ambienti si sviluppano come una sequenza fluida e dinamica che conduce verso l’affaccio del piano superiore, reinterpretando in chiave domestica il carattere aperto e monumentale dell’area industriale originaria.

3.Casa per Tre

Via Giovanni Battista Gandino 60/12

Nel cuore di un quartiere caratterizzato da piccole officine artigianali e laboratori storici, Casa per Tre si distingue per la sua architettura originale, che reinterpreta in chiave contemporanea alcuni elementi tipici dell’edilizia torinese, come il bow-window e i due abbaini. Linee essenziali, luce naturale e dettagli moderni dialogano con il contesto urbano circostante, creando un’abitazione dal carattere intimo e accogliente.

La visita rappresenta anche l’occasione per scoprire una zona meno conosciuta della città, lontana dai percorsi più turistici, dove il tessuto artigianale e la dimensione quotidiana del quartiere raccontano un volto autentico di Torino e del suo modo di abitare.

4.Casa Peschiera

Corso Peschiera 291

All’interno di un palazzo degli anni Settanta, questa abitazione nasce dalla fusione di due appartamenti originariamente frammentati, trasformati in uno spazio unico, luminoso e flessibile, progettato per adattarsi alle esigenze future di una giovane famiglia. Il fulcro della casa è il grande living centrale, dove una scenografica superficie in pietra separa e allo stesso tempo collega la zona giorno e gli ambienti più privati attraverso ampie porte-parete scorrevoli.

Gli spazi possono aprirsi o chiudersi a seconda dei momenti della giornata, creando un’atmosfera sofisticata e raccolta, dal gusto contemporaneo ma profondamente legato alla memoria familiare. Oggetti, souvenir e arredi provenienti da epoche e luoghi diversi costruiscono infatti un dialogo continuo tra passato e presente, tra Oriente e Occidente, dando vita a un ambiente elegante e personale.

5.La casa della domenica

Piazza Vittorio Veneto 1

Affacciata su , questa residenza di quattrocento metri quadrati custodisce il fascino delle grandi dimore storiche torinesi: soffitti a cassettoni dipinti, ambienti monumentali e una terrazza con vista sulla città.
La recente ristrutturazione ha però scelto di allontanarsi dall’idea di una casa troppo formale e dispersiva, trasformando gli spazi in un ambiente più funzionale, caldo e contemporaneo.

Il progetto introduce una serie di nuovi elementi in ferro e legno di betulla — dalla bussola d’ingresso al soppalco, fino alle pareti divisorie, alla cucina trapezoidale e all’illuminazione — che ridefiniscono gli ambienti con leggerezza ed equilibrio, senza cancellarne il carattere storico.

Il nome della casa rende omaggio a Franco Lucentini, che visse proprio in questo stabile e che, insieme a Carlo Fruttero, firmò il celebre romanzo La donna della domenica.

6.La casa di Carlotta Oddone

Via Cibrario 66

Questo appartamento di inizio Novecento si distingue per una ristrutturazione che utilizza il colore come filo conduttore dell’intero progetto. Pareti, tessuti, tappeti e dettagli decorativi si intrecciano in un equilibrio vivace ma armonioso, dando vita a spazi dal carattere intimo e personale.

Gli ambienti raccontano la quotidianità attraverso piccoli oggetti, libri, fiori e arredi scelti con cura, come frammenti di ricordi raccolti nel tempo. Le aperture interne e gli affacci sul quartiere creano continui giochi di prospettive e luce, rendendo la casa dinamica e accogliente.

A completare la visita, nascosto tra gli ambienti dell’appartamento, compare un piccolo giardino interno che aggiunge un inatteso angolo verde e silenzioso nel cuore della città.

7.B13 Home

Via Pietro Bagetti 13

In un edificio Liberty lungo Corso Francia, questo appartamento si distingue per un intervento che mette al centro la luce naturale e la trasparenza. Una vetrata interna di grande impatto ridisegna la percezione degli spazi, trasformando l’abitazione in un ambiente arioso e profondamente contemporaneo.

Gli elementi storici originali — parquet a spina italiana, porte d’epoca, soffitti decorati e piastrelle geometriche del corridoio — vengono valorizzati e messi in dialogo con inserti in vetro dallo stile industriale. Il contrasto tra materiali antichi e soluzioni moderne genera una composizione equilibrata, elegante e mai rigida.

La casa si sviluppa come un gioco continuo di riflessi e prospettive, dove la luce attraversa gli ambienti e ne sottolinea i dettagli, creando un’atmosfera sobria, sofisticata e accogliente.

8.Rifugio Urbano a San Salvario

Via Claudio Luigi Berthollet 11

In questa abitazione è facile lasciarsi colpire da dettagli diversi: la mescolanza di stili che emerge nei soffitti, il piccolo terrazzo affacciato sul cortile interno, le illustrazioni che decorano le pareti dando un carattere narrativo agli spazi. A questi si aggiungono scelte d’arredo dal tono ironico — come il guardaroba — e una ricca presenza di oggetti colorati che animano e personalizzano ogni ambiente.

Nel complesso, la casa si presenta come un rifugio dinamico e accogliente, espressione diretta della vita quotidiana di chi la abita. Un luogo caldo e vissuto, dove ogni elemento contribuisce a creare un’atmosfera familiare e piena di energia.

9.La casa dal pavimento verde

Via Palazzo di Città 7

A pochi passi da Piazza Castello, questo appartamento nasce da una sfida progettuale precisa: dare leggerezza e identità a uno spazio originariamente molto cupo. La ristrutturazione sceglie una palette essenziale, dominata dal bianco delle pareti e degli arredi, ma soprattutto da un pavimento in resina opaca di un delicato verde chiaro, che diventa l’elemento distintivo dell’intero progetto.

Il contrasto è fortissimo ma equilibrato: il nuovo intervento luminoso si confronta con il soffitto a cassettoni in legno scuro, elemento storico del palazzo e presenza scenica importante che viene mantenuta e valorizzata. Ne nasce un dialogo tra passato e contemporaneità, dove la luce e il colore alleggeriscono la materia senza cancellarne la memoria.

10.Tailor Made Home

Via Principe Amedeo 2

All’angolo con Via Roma, in un edificio degli anni Quaranta un tempo sede di un ufficio assicurativo, la ristrutturazione completa di questo spazio residenziale si concentra su una ricerca accurata di materiali e dettagli. Il progetto mette al centro il lavoro artigianale e le realizzazioni su misura, affidate a maestranze specializzate, con l’obiettivo di costruire un ambiente coerente e profondamente studiato.

L’intervento non si limita a ridisegnare gli spazi, ma costruisce un’esperienza abitativa immersiva, dove ogni elemento contribuisce a definire un’atmosfera continua e avvolgente. Il risultato è una casa che unisce precisione progettuale e sensibilità materica, trasformando un edificio storico in uno spazio contemporaneo e altamente personalizzato.

Tutte le info su www.openhousetorino.it

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In questo contesto, anche la gestione della piscina ha smesso di essere un onere manuale: la pulizia si è evoluta verso tecnologie progettate per chi cerca massima efficienza e praticità.

Sempre più proprietari scelgono soluzioni come i robot piscine senza filo, dispositivi a batteria progettati per garantire una pulizia profonda senza l’ingombro dei cavi. Affidarsi ad esperti come Techno Pool permette di accedere alle migliori tecnologie sul mercato, ideali per chi cerca una piscina impeccabile con il minimo sforzo.

Perché scegliere un robot per piscina a batteria

Chi possiede una piscina sa bene quanto la pulizia possa diventare impegnativa, soprattutto durante i mesi estivi. Foglie, sabbia, insetti e residui vari tendono ad accumularsi rapidamente sul fondo e sulle pareti. I robot senza fili rappresentano una soluzione pratica perché:

• eliminano il problema dei cavi intrecciati;
• sono più semplici da utilizzare;
• permettono maggiore libertà di movimento;
• richiedono meno manutenzione;
• garantiscono cicli di pulizia completamente automatici.

Come scegliere il modello giusto?

Prima di acquistare un robot per piscina è importante valutare alcuni aspetti fondamentali:

• Dimensioni della vasca: ogni dispositivo ha una capacità di copertura massima. È essenziale verificare che la metratura supportata sia adeguata alla superficie della piscina per garantire una pulizia completa.
• Superfici da trattare: non tutti i modelli sono uguali. Mentre alcune unità si limitano alla pulizia del fondo, i modelli più evoluti sono progettati per arrampicarsi sulle pareti e igienizzare accuratamente anche la linea d’acqua.
• Autonomia e prestazioni: nel caso dei modelli cordless, la durata della batteria è un fattore cruciale. Deve essere sufficiente a completare il ciclo di pulizia in un’unica sessione, specialmente per vasche di grandi dimensioni.

Valutando con attenzione questi parametri, è possibile individuare il modello più adatto alle proprie esigenze, assicurandosi un acquisto che unisca efficienza tecnologica e reale praticità d’uso.

Una soluzione per piscine private e strutture ricettive

Come abbiamo visto, la scelta del modello ideale deve basarsi su alcuni aspetti (come dimensioni, forma e rivestimento della vasca). Sebbene il robot pulitore a batteria non sia sempre la soluzione migliore in senso assoluto rispetto ai modelli a cavo, resta una delle opzioni più apprezzate per la sua estrema praticità.

Questa tecnologia è diventata un punto di riferimento non solo per le abitazioni private, ma anche per hotel, agriturismi e campeggi. Sempre più strutture ricettive scelgono infatti i robot cordless per mantenere i propri impianti impeccabili con il minimo sforzo operativo. La loro semplicità d’uso permette anche al personale non specializzato di gestire la pulizia quotidiana in modo rapido, eliminando l’ingombro dei cavi a bordo vasca.

L’era della pulizia intelligente e sostenibile

Indipendentemente dalla scelta tra modelli con o senza filo, i nuovi robot per piscina rappresentano l’apice di un settore sempre più orientato all’efficienza e alla domotica avanzata. La vera rivoluzione risiede nell’integrazione di sistemi di navigazione intelligente: molti modelli sono oggi in grado di mappare la vasca, ottimizzando il percorso per evitare passaggi inutili e garantendo una copertura totale della superficie.

Questa evoluzione tecnologica porta vantaggi concreti:

• Efficienza energetica: tempi di pulizia ridotti e minori consumi.
• Risparmio meccanico: i robot autonomi lavorano in modo indipendente dal sistema di filtrazione principale, riducendone l’usura.
• Sostenibilità: una pulizia più precisa permette di mantenere l’acqua bilanciata, limitando lo spreco di prodotti chimici.

Investire in sistemi automatizzati di ultima generazione non è solo una scelta di comfort, ma un passo verso una gestione più consapevole dello spazio outdoor.

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Torno a parlarti delle tazzine della illy Art Collection, una collezione che seguo e racconto sul blog da molti anni. Nel tempo ti ho presentato modelli iconici, edizioni speciali e collaborazioni artistiche che hanno visto il celebre brand del caffè illy affiancarsi a pittori, designer, grafici e architetti di fama internazionale.

Trovo affascinante l’idea di trasformare un oggetto quotidiano e familiare come la tazzina da caffè in una piccola opera d’arte: un elemento da usare ogni giorno, ma anche da osservare, collezionare e conservare.

Negli ultimi venticinque anni la illy Art Collection ha coinvolto numerosi protagonisti della scena artistica contemporanea, dando vita a un progetto capace di unire arte e design, creatività e consumo, cultura del caffè e collezionismo.

Oggi questo percorso artistico si arricchisce di un nuovo capitolo: in occasione della Biennale di Venezia 2026, illy presenta infatti una nuova serie di tazzine Art Collection, confermando ancora una volta il legame tra il mondo del caffè e quello dell’arte contemporanea.

La nuova collezione, realizzata per uno degli appuntamenti culturali più importanti al mondo, trasforma la celebre tazzina illy in uno spazio creativo dove linguaggi, culture e sensibilità artistiche diverse si incontrano. Un progetto che non celebra soltanto il design, ma racconta anche il valore del gesto quotidiano, capace di diventare esperienza estetica e oggetto da collezione.

illy Art Collection Biennale di Venezia 2026

Alla Biennale di Venezia 2026 l’arte non si limita ai padiglioni dell’Arsenale o dei Giardini.

Illy, main sponsor della Biennale Arte 2026, ha realizzato una nuova collezione di quattro tazzine interpretate nei contenuti e trasformate in opere d’arte da quattro artisti di fama internazionale: l’irlandese Alice Maher, la camerunese Werewere Liking, la sudafricana Thania Petersen e il britannico bengalese Mohammed Z.Rahman.

E per presentarli al meglio, hanno organizzato una performance artistica con tazzine prodotte in versione over size a mano da maestri artigiani, che hanno solcato i canali veneziani, per venire poi posizionate in Riva Ca’ di Dio, diventando un’installazione pubblica temporanea.

 “La Illy Art Collection ‘In Minor Keys’ celebra la capacità dell’arte di entrare nella vita quotidiana, regalando emozioni nuove – ha dichiarato l’ad di Illycaffè, Cristina Scocchia -. La collaborazione con i quattro artisti di generazioni e culture diverse che l’hanno firmata è stata per noi fonte di crescita e ispirazione, e Venezia rappresenta il palcoscenico ideale per presentare questa sinfonia creativa”.

La collezione 2026 nasce attorno al tema curatoriale “In Minor Keys”, scelto dalla curatrice Koyo Kouoh, e interpreta l’idea di un’arte più intima, relazionale e vicina alla dimensione umana del quotidiano.

Tutto parte da una riflessione corale su identità, memoria e trasformazioni culturali: gli artisti coinvolti, provenienti da contesti e generazioni diverse, trasformano l’oggetto in un piccolo spazio intimo di visione e racconto, dove l’arte si avvicina al gesto quotidiano e lo rilegge dall’interno.

Un lavoro che mette in dialogo linguaggi artistici differenti, accomunati però da una stessa tensione narrativa: raccontare il presente attraverso la forma essenziale della tazzina illy.

Il dialogo si inserisce nel concept curatoriale In Minor Keys, che diventa chiave interpretativa e ritmo sottotraccia delle opere.
Le tazzine si aprono così a letture personali e stratificate: Alice Maher costruisce immaginari sospesi tra mito e corpo, Werewere Liking lavora sul potere rituale del colore e della collettività, Thania Petersen intreccia memoria, tessuto e natura come archivi visivi, mentre Mohammed Z. Rahman usa parola e immagine come strumenti critici per interrogare identità e appartenenza.

Ne nasce un insieme che non illustra, ma suggerisce: piccole superfici che funzionano come frammenti di racconto contemporaneo, dove arte e quotidiano si sfiorano senza soluzione di continuità.

“La illy Art Collection In Minor Keys rappresenta un omaggio alla visione curatoriale di Koyo Kouoh, che ha concepito questa edizione come uno spazio di ascolto, stratificazione e pluralità di voci. Attraverso le opere di Alice Maher, Werewere Liking, Thania Petersen e Mohammed Z. Rahman, la tazzina diventa un luogo di incontro tra culture e narrazioni diverse, riaffermando il nostro impegno nel sostenere l’arte contemporanea come strumento di consapevolezza e connessione”

La tazzina di Alice Maher

La tazzina realizzata da Alice Maher racconta un universo fatto di mito, memoria e figure femminili.
L’artista irlandese prende ispirazione da storie antiche, favole e tradizioni popolari, reinterpretandole in chiave contemporanea attraverso immagini intense e simboliche.
Sulla porcellana prende forma un racconto visivo delicato ma potente, dove immaginazione, identità e trasformazione si incontrano.

Tra le sue influenze anche Carol Rama, artista torinese dalla forte sensibilità espressiva.

La tazzina di Werewere Liking

La tazzina di Werewere Liking riflette una visione artistica profondamente legata ai temi dell’umanità, della memoria collettiva e della spiritualità.

L’artista ivoriana trasforma la porcellana in uno spazio simbolico dove colore, energia e presenza femminile diventano strumenti di dialogo e speranza.
Attraverso un linguaggio poetico e immersivo, il suo lavoro invita a resistere alla disumanizzazione contemporanea e a ritrovare un senso di comunità, dando voce a culture e sensibilità spesso rimaste ai margini.

La tazzina di Thania Petersen

La tazzina creata da Thania Petersen intreccia memoria, spiritualità e identità culturale in un racconto visivo delicato e simbolico.

L’artista sudafricana, che lavora tra fotografia, performance e ricamo, porta sulla porcellana temi legati alla storia della sua comunità e alle trasformazioni sociali contemporanee.
Ispirata all’opera Waar Wolke Huil (“Dove le nuvole piangono”), la tazzina richiama la sua città, Cape Town, attraverso immagini poetiche di pioggia, lacrime e mani in preghiera: simboli di fragilità ma anche di rinascita e speranza.

La tazzina di Mohammed Z. Rahman

La tazzina firmata da Mohammed Z. Rahman nasce come un omaggio alla cura, alla gentilezza e ai piccoli gesti quotidiani che spesso passano inosservati.

L’artista britannico di origini bengalesi, ispirandosi alle miniature Moghul e alla street art, costruisce immagini intime e poetiche dove memoria personale e vita contemporanea si incontrano.
Al centro della creazione c’è la scritta Memento Vivere “ricordati di vivere” un invito a rallentare e riconoscere il valore umano di chi si prende cura degli altri, tema che Rahman ha approfondito riflettendo sul lavoro delle care workers durante la pandemia.

La collezione si può acquistare sul sito Illy

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La settimana milanese del design, con il suo vortice di eventi e installazioni, si è appena conclusa: è quindi il momento di tirare le somme e condividere qualche riflessione su ciò che abbiamo visto durante queste intense giornate.

Partiamo da qualche numero: oltre 316.000 visitatori provenienti da 167 Paesi hanno attraversato i padiglioni di Rho Fiera, con una presenza di operatori esteri che ha superato il 68%, a testimonianza di un respiro sempre più globale della manifestazione.

A questi si aggiungono quasi 2.000 brand espositori, distribuiti tra aziende italiane e internazionali, che hanno contribuito a delineare una panoramica ampia e articolata della produzione contemporanea.

La geografia delle presenze internazionali conferma l’evoluzione della domanda globale. La Cina resta il primo Paese per numero di operatori, seguita da una Europa in crescita, con Germania (+5,1%) e Spagna (+8,7%) ai primi posti. Segnali positivi arrivano anche da Austria (+15,7%) e Belgio (+7,3%), mentre Francia e Polonia si mantengono stabili.

Tra i mercati extra-europei, crescono Stati Uniti (+8,8%) e Regno Unito (+10,4%), insieme a incrementi significativi da Canada (+28%) e Messico (+15%). Si consolidano inoltre aree dinamiche come il Brasile (quarto posto) e la Corea del Sud (+4,5%), a conferma di un Salone sempre più orientato verso nuove geografie internazionali.

Parallelamente, la città di Milano ha registrato un’affluenza ancora più ampia grazie al Fuorisalone, che ha superato le 500.000 presenze, confermando il proprio ruolo complementare e sempre più integrato con la manifestazione fieristica. Con oltre 1.300 eventi diffusi nei diversi distretti urbani, la Design Week ha consolidato il modello di un evento esteso, capace di coinvolgere non solo gli addetti ai lavori ma anche un pubblico trasversale.

Numeri importanti e significativi, che a dispetto della situazione geopolitica difficile e incerta, confermano l’attrattività e la forza del Salone del Mobile all’interno del panorama internazionale del design.

Ancora di più quest’anno, è come si sia riusciti a sviluppare negli anni, un vero e proprio sistema solido intorno a questa manifestazione, capace quindi di attrarre investimenti, generare relazioni e rafforzare il ruolo di Milano come capitale internazionale del design.

Il Salone del Mobile 2026: le mie considerazioni

Salone e Fuorisalone

Anche quest’anno sono riuscita ad andare al Salone il primo giorno di apertura in modo da farmi un’idea direttamente sul posto di questa nuova edizione del Salone del Mobile, senza troppe anticipazioni da parte di altri visitatori e addetti ai lavori.

Negli anni, il Salone ha progressivamente ampliato il proprio raggio d’azione, superando la dimensione tradizionale di fiera per assumere un ruolo più articolato: non è soltanto uno spazio espositivo, ma prova a presentarsi come una vera e propria piattaforma culturale capace di mettere in relazione industria, ricerca, creatività e comunicazione.

Il dialogo tra Salone e Fuorisalone appare ormai consolidato: non si tratta più di due momenti distinti, ma di un unico ecosistema che si sviluppa tra padiglioni e città, offrendo una visione ampia e sfaccettata del design contemporaneo.

Detto questo, devo dire che forse quest’anno ho notato maggiormente uno scollamento tra l’ambiente Salone e le installazioni del Fuorisalone: mi pare sempre più evidente come il Salone sia il luogo di rappresentanza, dove incontrare gli operatori e aggiornarsi sulle novità da catalogo, mentre per chi cerca la sperimentazione e i nuovi trend, deve recarsi nei vari eventi in città.

Certo, so bene che è sempre stato così, ma il divario mi è sembrato molto più evidente quest’anno, con esposizioni al Salone del Mobile, molto classiche e minimali, in contrasto con quanto presentato nel Fuorisalone.

Sembra delinearsi con maggiore chiarezza una doppia natura dell’evento: da una parte il Salone come piattaforma solida e strutturata, dall’altra il Fuorisalone come laboratorio diffuso del contemporaneo. Due dimensioni che continuano a convivere e a completarsi, ma che oggi appaiono più distinte nei linguaggi e negli obiettivi.

Nei padiglioni di Rho domina un linguaggio spesso più controllato, misurato, in molti casi legato a una continuità progettuale che risponde alle esigenze produttive e commerciali delle aziende. Ho trovato molta più omogeneità nelle linee, nelle proposte e nelle tendenze: anche gli allestimenti degli stand hanno preferito non osare (tranne qualche eccezione), replicando quanto già fatto nelle scorse edizioni.

Gli stand

Personalmente, mi ha colpito in particolare lo stand di Scab, progettato da Calvi Brambilla and Partners: l’allestimento interpretava l’identità del marchio attraverso un’atmosfera immersiva, costruita su una palette ispirata al mondo del bosco.

Le quattro principali novità presentate emergono da uno stagno con piante acquatiche, una narrazione poetica, sensoriale e che fa risaltare in maniera efficace le sedute.

Anche Kartell mi ha sorpreso, grazie a un allestimento costruito come una sequenza di quinte sceniche: una serie di stanze da scoprire, ognuna pensata come un microcosmo autonomo.

Al loro interno, i complementi d’arredo dialogano con colori, superfici e opere generate per l’occasione attraverso l’utilizzo dell’intelligenza artificiale, dando vita a un percorso immersivo in cui prodotto e narrazione visiva si intrecciano.

Al contrario, risultano sempre più stancanti quegli allestimenti monolitici ed ermetici che si chiudono completamente verso l’esterno, sottraendosi allo sguardo e alla relazione con lo spazio circostante.
Spesso costringono a lunghe attese per accedere, senza fornire indicazioni su cosa stiamo per vedere, trasformando l’esperienza in un percorso più esclusivo che realmente condiviso.

Senza contare la pratica, sempre più diffusa, di dover scansionare il proprio biglietto o lasciare i dati per accedere agli stand. Un passaggio spesso obbligato, che si traduce automaticamente nell’iscrizione a newsletter e comunicazioni che, nella maggior parte dei casi, non verranno mai lette.

Viene spontaneo chiedersi quale sia il reale valore di questo meccanismo: perché ricevere aggiornamenti da un brand che magari non ci interessa, se l’iscrizione è stata solo una condizione necessaria per poter entrare?

Nulla di particolarmente nuovo, quindi, in queste considerazioni generali, che sembrano piuttosto confermare dinamiche già note per chi è avvezzo a frequentare il Salone del Mobile.

Il salone Raritas

L’unica novità che voglio mettere in evidenza è il Salone Raritas: uno spazio dedicato al design da collezione e ai pezzi unici o in edizione limitata.

Un progetto che segna un’ulteriore apertura verso una dimensione più sperimentale e autoriale, in cui il confine tra design e arte si fa sempre più sottile. Qui il prodotto si allontana dalla logica industriale per assumere un valore più narrativo e simbolico, ponendo l’accento sulla ricerca, sulla materia e sull’unicità del progetto.

Specchio della tendenza diffusa della ricerca del pezzo unico, di oggetti e arredi meno legati alla produzione seriale e più vicino alla dimensione dell’arte e del fatto a mano.

Uno spazio che mette in mostra nuovi linguaggi, spesso più liberi e sperimentali rispetto al contesto fieristico tradizionale, ampliando ulteriormente il perimetro del Salone verso territori ibridi tra industria, arte e collezionismo.

Quel punto di incontro forse necessario tra le due anime della manifestazione milanese, per contaminare con altri linguaggi contemporanei, gli stand del Salone.

Le tendenze

Per quanto riguarda le tendenze, direi che in questa edizione del Salone del Mobile 2026 si conferma un ritorno alla matericità e a una palette cromatica più misurata e avvolgente, in cui dominano tonalità naturali, polverose e terrose, spesso declinate in combinazioni morbide e non contrastanti.

I colori della casa si muovono verso i caldi toni della terra, affiancati da accenti cromatici più decisi, pensati per rendere gli interni ancora più personali e avvolgenti. Le palette viste nell’edizione 2026 raccontano infatti un’idea di abitare più sensoriale e stratificata, dove il colore non è solo scelta estetica ma parte integrante dell’esperienza dello spazio.

Anche sul fronte dei materiali si nota una direzione simile: superfici più tattili, finiture opache, texture che si fanno leggere ma percepibili, spesso con un’attenzione particolare all’irregolarità e alla sensazione “umana” del prodotto. Il minimalismo resta presente, ma si è fatto meno freddo e più morbido, avvolgente, sensuale, sofisticato.

Un altro elemento ricorrente riguarda le forme, sempre più orientate verso soluzioni organiche e morbide, spesso in dialogo con strutture modulari.

Da un lato si affermano linee fluide, curve continue e profili arrotondati che allontanano l’idea di rigidità geometrica; dall’altro si rafforza una logica compositiva flessibile, fatta di elementi modulari che possono essere ricombinati e adattati agli spazi.

Questa doppia direzione, più naturale nelle forme e più flessibile nella struttura, restituisce un’idea di interior contemporaneo meno statico e più dinamico, pensato per evolversi nel tempo e rispondere in modo più diretto alle esigenze dell’abitare quotidiano.

Ho percepito, in generale, una casa sempre meno pensata come spazio “allestito” e sempre più come luogo vivo, in continua trasformazione.

Un ambiente in divenire, che non si limita a mostrarsi perfetto ma che prova a raccontare la quotidianità reale di chi lo abita, con le sue stratificazioni e le sue variazioni nel tempo.

Allo stesso tempo, questa maggiore spontaneità non rinuncia allo stile né alla coerenza progettuale. Al contrario, sembra emergere un equilibrio nuovo tra libertà e controllo, tra comfort e ricerca estetica, dove l’abitare diventa un gesto più naturale ma ancora fortemente guidato da una visione progettuale chiara.

Conclusioni

Ho visto un Salone meno costruito sull’esposizione pensata per stupire a tutti i costi e più orientato, invece, verso arredi e soluzioni percepite come più “vere”. Oggetti meno legati all’effetto immediato e più vicini a una dimensione d’uso, con un’attenzione maggiore alla funzionalità e alla possibilità di essere inseriti in contesti abitativi reali.

In questa direzione, anche la scenografia complessiva sembra essersi fatta in alcuni casi più sobria, lasciando spazio al prodotto e al suo rapporto diretto con lo spazio, senza eccessive mediazioni spettacolari.

Per questo motivo l’ho apprezzato maggiormente rispetto al passato: anche l’organizzazione dei padiglioni e la disposizione degli stand mi è sembrata più ordinata e leggibile, meno caotica rispetto alle edizioni precedenti. Il percorso espositivo risultava più chiaro, con una maggiore facilità di orientamento e una sensazione generale di maggiore equilibrio tra gli spazi.

Questa maggiore chiarezza ha contribuito a rendere l’esperienza complessiva più fluida e meno dispersiva, permettendo di concentrarsi meglio sui contenuti e sui prodotti presentati.

In conclusione, si può dire che questa edizione del Salone del Mobile sia stata interessante, forse senza particolari elementi eclatanti o momenti di rottura evidenti, ma con un approccio complessivamente più concreto e funzionale. Un’edizione che ha puntato meno sull’effetto sorpresa e più sulla solidità delle proposte, sulla leggibilità degli spazi e sulla qualità dei contenuti presentati.

In questo senso, l’esperienza complessiva restituisce l’immagine di un sistema che continua a evolversi in modo progressivo, senza strappi, ma con una direzione chiara.

Resta ora da vedere cosa ci riserverà la prossima edizione e quali ulteriori trasformazioni saprà introdurre all’interno di un panorama del design in continuo movimento.

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Conosco il concorso internazionale di design A’ Design Award & Competition da ormai tantissimi anni, è stata una delle prime aziende che ha iniziato a collaborare con me e il blog [qui potete trovare alcuni degli articoli scritti da me] e mi piace sempre parlarne e cercare di farla conoscere a più persone possibili.

A’ Design Award & Competition è un’ importante competizione internazionale, uno dei pochi concorsi di un certo prestigio rivolto ai designer, i quali, attraverso un semplice click, possono candidare il loro progetto qualsiasi sia il loro ambito di lavoro.

Dall’architettura all’arredamento, dai gioielli al marketing, passando per web design e oggetti 3D: qualunque sia il vostro settore creativo, troverete sicuramente la categoria più adatta in cui candidare il vostro progetto. Il concorso, infatti, comprende ben 100 categorie diverse, pensate per valorizzare ogni ambito del design contemporaneo.

L’ A’Design Award è tra i più prestigiosi riconoscimenti internazionali dedicati al design. Nato nel 2009 con l’obiettivo di promuovere il buon design a ogni livello, rappresenta oggi una delle competizioni più autorevoli e influenti del settore, capace di richiamare ogni anno designer, studi e aziende provenienti da tutto il mondo.

Il premio ha cadenza annuale e, anche se sono stati appena annunciati i vincitori dell’ultima edizione, sono già aperte le candidature per partecipare alla prossima.

Registrarsi e candidare il proprio progetto è un processo semplice e rapido.

Partecipare a questo prestigioso concorso internazionale di design offre l’opportunità di ottenere una valutazione qualificata del proprio lavoro da parte di una giuria composta da esperti e professionisti del settore.

Per i vincitori sono previsti numerosi vantaggi: dalla visibilità internazionale alle pubblicazioni su riviste specializzate, fino alla promozione su siti web, blog e canali dedicati al mondo del design.

Le iscrizioni per la prossima edizione sono già aperte: basta cliccare qui e iniziare a compilare il form di candidatura.

I vincitori di A’design Award dell’edizione 2025-2026: 15 progetti

Ogni anno, nel mese di aprile, vengono proclamati i vincitori delle diverse categorie, ed è senza dubbio uno dei momenti che attendo con più entusiasmo.
Mi piace esplorare le tante sezioni del concorso e lasciarmi sorprendere dai nuovi progetti premiati: è l’occasione perfetta per scoprire idee provenienti da tutto il mondo, intercettare tendenze emergenti, conoscere materiali innovativi e osservare soluzioni creative capaci di raccontare il design contemporaneo.

Come faccio ogni anno, preparo un primo articolo in cui raccolgo una selezione dei progetti che mi hanno colpito maggiormente, una piccola anteprima dei vincitori da non perdere. E non posso che iniziare dalla mia categoria preferita: A’ Furniture, Decorative Items and Homeware, dedicata al mondo dell’arredo, dei complementi e degli oggetti per la casa.

Puoi scoprire tutti gli altri vincitori dell’A’ Design Award & Competition qui.

1.The Cuban Bar Cabinet di Uslu Design Studio

The Cuban nasce ispirandosi alle dinamiche sociali della vita notturna, a quelle presenze carismatiche che inizialmente restano in secondo piano per poi conquistare gradualmente la scena. Il mobile interpreta proprio questa personalità: discreto a prima vista, incuriosisce con la sua eleganza essenziale e si rivela solo aprendosi, mostrando al suo interno una raffinata selezione di whisky e sigari.

Pensato come elemento scenografico e funzionale, The Cuban combina più anime in un unico arredo. Sul fronte si presenta come bar e vetrina, mentre sul retro la superficie superiore si trasforma in una vera console da DJ, pronta ad accogliere giradischi e apparecchiature musicali.
Un progetto che unisce convivialità, intrattenimento e design in un solo gesto.

Al centro della stanza diventa naturalmente un punto di aggregazione, capace di organizzare attorno a sé persone e momenti condivisi. Da qualsiasi angolazione lo si osservi, offre un’esperienza diversa: custodisce bottiglie pregiate e sigari in un ambiente a umidità controllata, valorizzati da illuminazione digitale integrata, mentre le ante apribili svelano dettagli ricercati e materiali di grande pregio.

Laccatura lucida, acciaio inox e marmo definiscono un’estetica sofisticata e distintiva, perfetta per ambienti contemporanei in cui il design diventa protagonista.

The Cuban non è soltanto un mobile bar, ma un vero centro scenico della casa, pensato per chi ama ricevere, condividere e vivere gli spazi con stile.

2.Oruha Chair di Yuya Nakazawa

La sedia Oruha trae ispirazione dal movimento delle onde, simbolo di un continuo alternarsi tra tensione e rilascio. Più che nascere da soli parametri ergonomici o da schemi progettuali tradizionali, questo progetto interpreta la seduta come un’esperienza emotiva e spaziale, costruita attraverso il contrasto e la trasformazione.

Secondo la visione del designer, le emozioni, proprio come le onde, possono cambiare forma, riorganizzarsi e tradursi in presenza fisica. Da questa idea prende vita una struttura scolpita direttamente nel legno massello, modellata attraverso curve organiche che appaiono fluide ma allo stesso tempo controllate.
Il risultato è una sedia dal carattere deciso e scultoreo che, nonostante l’aspetto spigoloso, sorprende per il comfort morbido e avvolgente che offre una volta seduti.

Questa inversione tra tensione visiva ed estrema comodità è il cuore del progetto Oruha.
La sedia diventa così una sorta di rifugio personale all’interno dello spazio pubblico: un elemento capace di dialogare con l’ambiente circostante come oggetto artistico, ma che al tempo stesso si trasforma in una dimensione intima e raccolta quando viene utilizzato.

La sua forma non nasce da una logica lineare o parametrica, ma da un processo continuo di affinamento tra impatto estetico e benessere fisico. I braccioli, ad esempio, conservano linee nette e incisive dal punto di vista visivo, offrendo però al tatto una sensazione morbida, sicura e accogliente. È proprio questo equilibrio tra forza espressiva e funzionalità quotidiana a rendere Oruha una seduta unica, sospesa tra design e scultura.

3.Takumi Jewelry Cabinet di Isabelle De Mari

Takumi nasce ispirato ai principi dell’artigianato giapponese e al gesto intimo di custodire i propri gioielli. Il progetto esplora come un’estetica essenziale, unita alla leggerezza ottenuta attraverso raffinati dettagli di falegnameria, possa dare forma a un contenitore elegante e rispettoso per oggetti carichi di significato personale.

Il nome stesso, Takumi, che in giapponese significa “maestro artigiano”, guida l’identità del mobile e ne racconta la filosofia progettuale. A rafforzare questo dialogo tra arredo e preziosi custoditi al suo interno contribuisce la maniglia in ottone, realizzata con la tecnica della fusione a cera persa tipica dell’alta gioielleria, trasformata nel vero gioiello del cabinet.

Takumi è un mobile portagioie che fonde tradizione artigianale giapponese e design contemporaneo. I cassetti, alleggeriti da delicati smussi frontali, creano un senso di leggerezza visiva mantenendo al tempo stesso rigore e solidità strutturale. L’interno è rivestito in pelle naturale e organizzato con scomparti in suede configurabili, pensati per proteggere con cura anelli, collane, bracciali e altri oggetti delicati.

L’esperienza d’uso è calma, ordinata e meditativa. I cassetti con guide ad estrazione totale consentono una visibilità completa e un accesso agevole a ogni vano, mentre l’organizzazione verticale favorisce chiarezza e armonia. I divisori rivestiti in suede possono essere rimossi e riposizionati liberamente, offrendo massima flessibilità nella gestione dei gioielli anche al di fuori del mobile.

Più che un semplice contenitore, Takumi trasforma il gesto quotidiano del riporre e scegliere i propri gioielli in un piccolo rituale di attenzione, bellezza e cura.

4.Incline Modular Seating di Alena Bulataya

Incline nasce dall’incontro tra geometrie architettoniche e superfici inclinate, dando vita a una collezione capace di equilibrare rigore formale e comfort quotidiano. Il progetto è stato concepito a Dubai, dove il paesaggio delle dune del deserto ha ispirato le morbide sfumature e le tonalità calde della palette cromatica. Il risultato è un sistema d’arredo che trasmette calma, eleganza senza tempo e precisione strutturale, perfetto sia per ambienti residenziali sia per spazi hospitality.

La collezione si distingue per la sua natura modulare e altamente versatile. Gli utenti possono comporre diverse configurazioni di seduta unendo i moduli tramite connettori rapidi nascosti, senza bisogno di attrezzi. In pochi minuti, un classico divano può trasformarsi in un’isola lounge, in una composizione con chaise longue oppure in sedute indipendenti, adattandosi facilmente alle esigenze del momento e allo spazio disponibile.

Pensato per un utilizzo dinamico e duraturo, Incline abbina flessibilità e praticità. I rivestimenti removibili rendono semplici sia la pulizia sia l’eventuale sostituzione, mentre i piedini scorrevoli proteggono le superfici e consentono di spostare i moduli con facilità.

Più che una semplice collezione di imbottiti, Incline propone un nuovo modo di vivere il soggiorno e gli spazi condivisi: un sistema intelligente che evolve con chi lo utilizza, combinando comfort, funzionalità e una raffinata estetica contemporanea.

5.Camarade Modular Furniture Collection di Big-Game

Camarade reinterpreta l’onestà costruttiva dei mobili funzionali del modernismo, arricchendola con la precisione tipica del design svizzero. Il progetto firmato Big-Game si ispira a quegli oggetti silenziosi che accompagnano la quotidianità svolgendo più funzioni senza mai imporsi visivamente. Una presenza discreta ma indispensabile, pensata per adattarsi con naturalezza ai nuovi modi di vivere e lavorare.

Il contrasto tra l’acciaio, essenziale e rigoroso, e il calore del legno massello di faggio riflette perfettamente gli interni contemporanei ibridi, dove la casa diventa ufficio e un café può trasformarsi in sala riunioni. L’obiettivo dei designer era creare un sistema regolabile in altezza in cui la tecnologia restasse nascosta, al servizio dell’utente, senza trasformarsi in elemento estetico dominante.

Camarade risponde così alle esigenze dei moderni third spaces, ambienti fluidi in cui comfort domestico e funzionalità professionale convivono. Tavolo e sgabelli possono passare facilmente dall’altezza pranzo a quella standing grazie a meccanismi integrati e invisibili, mantenendo sempre una silhouette minimale ed elegante.

A differenza di molti arredi regolabili dall’aspetto tecnico e industriale, Camarade conserva un’estetica accogliente e raffinata in ogni configurazione. Le superfici tattili del faggio, le curve morbide e un linguaggio formale coerente condiviso tra le diverse tipologie riducono il disordine visivo degli spazi flessibili, creando ambienti armoniosi e versatili.

Più che una semplice collezione di arredi trasformabili, Camarade propone una nuova idea di funzionalità: intelligente, discreta e perfettamente integrata nella vita contemporanea.

6.Willow Table di Luca Roccadadria

Il progetto trae ispirazione dall’osservazione dell’architettura contemporanea, ricercando un equilibrio costante, visivo e strutturale, tra la solidità dei volumi e la leggerezza dei supporti. Questa riflessione si traduce in un tavolo dalle linee essenziali, in cui la struttura metallica sostiene il piano in legno mantenendolo leggermente distanziato dalla base portante. Una soluzione tecnica che genera un raffinato effetto sospeso, alleggerendo il punto di contatto tra i due materiali e donando all’insieme maggiore eleganza visiva.

Per lo sviluppo dell’elemento formale distintivo, ovvero l’architettura delle gambe, il concept si concentra sull’idea di “involucro”, richiamando la presenza di una protezione esterna che avvolge la struttura. Le gambe sono infatti rivestite da cover in lamiera curva, progettate fin dall’inizio come componenti modulari e personalizzabili. Questi elementi possono essere realizzati in materiali diversi, come pelle o legno, per integrarsi armoniosamente in contesti d’arredo differenti.

Il progetto offre inoltre la possibilità di utilizzare per le cover la stessa finitura lignea scelta per il piano, creando una continuità materica tra base e superficie. Una scelta che rafforza la coerenza estetica del prodotto e restituisce un’immagine rigorosa e perfettamente bilanciata.

Dal punto di vista funzionale, il tavolo si ispira ai sistemi della meccanica di precisione, con l’obiettivo di nascondere i meccanismi e privilegiare la pulizia formale. Il sistema di allunga integrato consente di ampliare la superficie in modo fluido e lineare, senza compromettere proporzioni ed estetica complessiva. L’inserimento dei moduli aggiuntivi avviene infatti in modo discreto, mantenendo inalterata l’armonia del progetto anche nella configurazione estesa.

Il risultato è un tavolo che unisce tecnologia invisibile, eleganza architettonica e grande versatilità d’uso, pensato per ambienti contemporanei in cui design e funzionalità devono convivere con naturalezza.

7.Nimbus Lounge Chair di Simone Villéla

Nimbus nasce dall’idea di tradurre la leggerezza visiva in una solidità strutturale concreta.
Il progetto mette in dialogo volumi morbidi e avvolgenti con una base in legno dal disegno preciso e rigoroso, creando un equilibrio costante tra comfort e chiarezza architettonica. È una ricerca che unisce espressività artigianale e fattibilità industriale, portando un senso di calore materico all’interno di una produzione contemporanea e scalabile.

Il sistema di seduta si ispira alla leggerezza delle nuvole, interpretandola in chiave domestica attraverso forme scultoree e accoglienti. Nimbus si distingue per la sua presenza iconica ma discreta, capace di integrarsi con naturalezza negli spazi contemporanei senza rinunciare a una forte identità formale. L’attenzione all’ergonomia si combina con una vocazione multifunzionale, rendendo ogni elemento parte di un sistema flessibile e adattabile.

L’ottoman trasformabile rappresenta uno degli elementi chiave del progetto: può essere utilizzato sia come poggiapiedi sia come tavolino d’appoggio, offrendo una soluzione pratica e dinamica per la vita quotidiana. Questa doppia funzione rafforza il carattere versatile della collezione, pensata per ambienti in cui il design deve rispondere a esigenze diverse nel corso della giornata.

Nimbus riesce così a bilanciare dimensione emotiva e uso quotidiano, dando vita a una proposta d’arredo calda, riconoscibile e profondamente contemporanea, in cui la leggerezza formale si traduce in un’esperienza concreta di comfort e funzionalità.

8.Flowerblock Shelf di Mizuki Chinen

Questo scaffale nasce dall’osservazione dei Flower Blocks, elementi architettonici molto diffusi nella città natale del designer Okinawa. Si tratta di blocchi in cemento caratterizzati da motivi geometrici traforati, capaci di schermare la forte luce solare permettendo al tempo stesso il passaggio dell’aria. Una soluzione che unisce funzionalità e valore decorativo, trasformando un elemento strutturale in un segno estetico distintivo.

Partendo da questa idea, il progetto traduce il concetto di “filtro naturale” in un sistema di scaffalatura che tiene conto dei percorsi della luce e del vento. La struttura è pensata per lasciare volutamente degli spazi tra i volumi, generando un insieme visivamente leggero e arioso.

La presenza delle interruzioni tra i moduli permette alla luce di attraversare lo scaffale, riducendo la densità visiva e creando un senso di apertura e respiro all’interno dello spazio. L’effetto complessivo è quello di un arredo che non appesantisce l’ambiente, ma lo valorizza attraverso trasparenze e vuoti calibrati.

Ispirato al clima di Okinawa, questo scaffale trasmette una sensazione di freschezza anche nei mesi più caldi, introducendo un ritmo delicato e naturale all’interno della stanza. È un progetto che non si limita alla funzione contenitiva, ma riflette anche una ricerca sulla percezione visiva della leggerezza e del comfort ambientale.

9.Nova Coffee Table di Hongji Yin

Ispirato alla germinazione e alla crescita delle piante, questo progetto si connette al momento iniziale della vita e al suo sviluppo vigoroso e continuo. Integrando il concetto di fototropismo nella definizione morfologica del piano e delle gambe del tavolo, il design esprime una ricerca di energia, vitalità e movimento latente. Dopo una riflessione approfondita sui sistemi biologici, nasce un arredo che supera la semplice ispirazione organica, trasformandosi in una sintesi tra valore estetico, funzionalità e attenzione alla sostenibilità.

Nova integra biologia e design andando oltre i tradizionali approcci di bioispirazione, biomorfismo e biomimetica, per esplorare più in profondità i meccanismi del comportamento naturale e dei sistemi ecologici. Il progetto mette in discussione i confini convenzionali del design, affrontando il rapporto simbiotico tra natura e creatività umana.

La sua forma asimmetrica rompe l’idea di staticità tipica del tavolo tradizionale, trasformandolo in una presenza dinamica, quasi vivente. Nova non è soltanto un elemento d’arredo, ma una sorta di organismo simbolico che sembra crescere nello spazio, infondendo energia e vitalità nella quotidianità di chi lo utilizza.

10.Book Chair di Cass Saldanha

Guidato dalla geometria e dalla simmetria architettonica, Bookchair si presenta come uno studio sulla chiarezza visiva e sull’equilibrio formale. Il progetto si ispira alla figura di Lina Bo Bardi, il cui lavoro ha saputo coniugare il rigore del modernismo con la cultura materiale brasiliana e la dimensione artigianale, dando vita a un linguaggio autentico e profondamente umano. In questa stessa direzione, Bookchair unisce precisione modernista e sensibilità culturale, rendendo omaggio al design brasiliano attraverso un equilibrio tra funzione e forma scultorea.

Che venga utilizzato per sostenere un libro aperto o che rimanga semplicemente nello spazio come oggetto autonomo, il suo ruolo si colloca sempre al confine tra utilità e arte. È un oggetto da usare, ma anche da osservare, capace di trasformarsi in presenza silenziosa all’interno dell’ambiente.

Bookchair è più di uno sgabello o di una sedia: è uno studio tridimensionale su geometria e simmetria. Ogni angolazione è studiata con precisione per colmare la distanza tra oggetto funzionale e scultura. L’altezza di 18 pollici garantisce una funzione pratica, ma la sua vera essenza risiede nella capacità di accogliere un libro aperto, invitando a rallentare e a dedicare tempo alla lettura e alla riflessione.

Più che un semplice elemento d’arredo, Bookchair è un gesto silenzioso e consapevole, pensato per chi riconosce valore sia alla forma sia alla parola scritta.

11.Mazie Storage Bench di Songmics Home Design Team

Mazie nasce con un focus preciso sulle esigenze della convivenza tra esseri umani e animali domestici, ponendo al centro un design funzionale e integrato. Il corpo principale si configura come una scatola contenitiva retraibile che, grazie a una struttura ad arco flessibile, può essere appiattita per rispondere alle esigenze quotidiane di stoccaggio e ottimizzazione dello spazio.

Quando invece viene impilata e combinata, Mazie si trasforma in una scala per animali domestici: un sistema intelligente che, tramite incastri dedicati e superfici antiscivolo, permette a cani e gatti di salire e scendere facilmente da divani o letti. In questo modo l’oggetto diventa un elemento di connessione tra persone e animali, migliorando la qualità della vita condivisa all’interno della casa.

Il progetto risponde a una crescente esigenza contemporanea: utilizzare lo spazio domestico in modo più efficiente e versatile. I consumatori, infatti, sono sempre più attratti da prodotti multifunzionali, capaci di adattarsi a diversi scenari d’uso. Ispirato ai principi dell’arredo modulare e del design pet-friendly, Mazie unisce funzione contenitiva e supporto per animali domestici in un unico oggetto.

Questa doppia natura consente non solo di soddisfare le necessità quotidiane di organizzazione della casa, ma anche di migliorare la vita degli animali, in particolare quelli più anziani, facilitandone i movimenti. Il risultato è un sistema d’arredo che contribuisce a creare un ambiente domestico più armonioso, inclusivo e condiviso tra esseri umani e animali.

12.Alan Children’s Furniture Set di Songmics Home Design Team

Con sempre più genitori che considerano l’adattabilità educativa un fattore chiave nella scelta dell’arredo per bambini, questo progetto ripensa il mobile infantile ponendo al centro l’esplorazione indipendente, lo sviluppo sensoriale e l’apprendimento basato su scenari.
L’obiettivo è supportare genitori ed educatori nella creazione di spazi child-led, trasformando il concetto di arredo a funzione singola in una soluzione educativa integrata per bambini dai 3 ai 7 anni, in grado di favorire autonomia, scoperta e crescita condivisa.

La collezione comprende tavoli, sedute, librerie, mensole a parete e appendiabiti regolabili, progettati secondo tre principi fondamentali: educazione quotidiana, utilizzo a lungo termine ed ecosostenibilità.
Gli elementi regolabili incoraggiano l’autonomia del bambino, permettendo un accesso diretto e indipendente agli oggetti e contribuendo allo sviluppo del senso di ordine. Il tavolo sensoriale, dotato di vani nascosti, si adatta a diverse attività ludiche ed educative, stimolando la creatività e la sperimentazione.

Realizzati in legno massello con texture naturale, i prodotti seguono il principio dell’educazione alla natura “sensory first”, ponendo l’esperienza tattile e percettiva al centro del processo di apprendimento.

L’insieme si integra facilmente sia in spazi domestici di piccole dimensioni sia in contesti educativi come scuole dell’infanzia e asili, offrendo una soluzione flessibile e armoniosa per accompagnare la crescita dei bambini.

13.Point Wall Mirror di Tutku Bayat Yilgur

Il punto di partenza di questo progetto è stato quello di portare al centro del processo progettuale un elemento spesso trascurato: il sistema di fissaggio. L’idea che il meccanismo di sospensione potesse diventare parte attiva del prodotto, anziché restare un semplice dettaglio tecnico nascosto, ha guidato l’intero sviluppo del design.

L’obiettivo era anche quello di risolvere le difficoltà comuni durante l’installazione, come il corretto allineamento e la necessità di più fori a parete. Point risponde a queste problematiche con una soluzione semplice, funzionale e strutturale al tempo stesso.

Point è uno specchio da parete progettato per essere fissato tramite un unico punto di ancoraggio. Il sistema di sospensione, tradizionalmente nascosto alla vista, viene qui portato al centro del progetto e valorizzato come elemento estetico. La cornice in legno massello è sospesa da un solo elemento a parete e mantiene stabilità ed equilibrio grazie a un componente di connessione circolare.

Questo sistema semplifica notevolmente l’installazione e trasforma un dettaglio tecnico in un segno distintivo del linguaggio progettuale, dove funzione e forma coincidono in modo diretto e consapevole.

14.Flora Armchair di Victor Leite

Flora nasce dal desiderio di ripensare il gesto del sedersi, proponendo un’idea di riposo libero e non strutturato. Ispirata alla forma di un bocciolo di fiore in piena fioritura, la sua scocca curva avvolge delicatamente il corpo, creando una sensazione di accoglienza naturale. Priva di suddivisioni rigide, la seduta si presta a molteplici modalità d’uso, lasciando spazio alla sensibilità di chi la utilizza. Più che un oggetto funzionale, Flora è una proposta poetica sul modo di abitare lo spazio con libertà, affetto e autenticità.

Flora introduce un’ergonomia intuitiva ed emozionale, ispirata proprio al processo di apertura del fiore. La continuità della sua forma dissolve i confini tradizionali tra seduta, schienale e braccioli, permettendo interpretazioni d’uso diverse e personali. Il risultato è un arredo dal carattere scultoreo, capace di adattarsi al corpo senza imporre posture rigide.

Realizzata con una struttura in legno rinnovabile, Flora unisce sostenibilità, personalizzazione e identità formale. Il progetto mette al centro la libertà del corpo e la relazione sensoriale con l’oggetto, senza rinunciare alla funzione, ma reinterpretandola in chiave più fluida e contemporanea.

15.The Flight Of The Razorbill Outdoor Furniture Collection di Matias Millet

Questo progetto nasce da un approccio biomimetico, prendendo come riferimento lo studio del corpo aerodinamico e altamente efficiente del gazza marina (Razorbill), utilizzato come chiave di lettura progettuale. Il movimento e la capacità di volo di questo uccello hanno ispirato un linguaggio formale leggero ma stabile, capace di tradurre in design la sensazione di equilibrio dinamico e precisione naturale. La ricerca si estende anche all’uso innovativo del Fenix®, materiale dalle proprietà autorigeneranti e dalla superficie rigenerativa, che richiama la resilienza dei sistemi naturali e rafforza l’idea di un arredo ispirato all’efficienza della natura.

The Flight of the Razorbill è una collezione di arredi per esterni composta da sedia, tavolo e elemento luminoso, realizzati in Fenix®. Ispirato alla silhouette aerodinamica del Razorbill, il progetto traduce la sensazione del volo in forme scultoree pulite ed essenziali.

Il punto di forza della collezione risiede nell’uso innovativo del Fenix®, materiale generalmente impiegato per interni, qui reinterpretato per applicazioni outdoor. Questa scelta permette di raggiungere un equilibrio raffinato tra resistenza, qualità tattile ed eleganza architettonica, trasformando la collezione in una sintesi tra sperimentazione materica e design contemporaneo.

Timeline per partecipare al concorso

Sono aperte le iscrizioni per la nuova edizione del concorso internazionale A’ Design Award & Competition, c’è tempo fino al 28 febbraio 2027 per poter presentare il proprio progetto.

A maggio 2027 scopriremo insieme i fortunati vincitori.

Andate sul sito nella sezione Registration, candidate il vostro progetto, e buona fortuna!

L'articolo I vincitori di A’Design Award & Competition 2026: i miei preferiti proviene da ArsCity.

La Festa della Mamma è l’occasione perfetta per celebrare una delle persone più importanti della nostra vita con un pensiero speciale, scelto con cura e attenzione.

Ogni mamma è diversa: c’è chi ama prendersi cura della casa, chi predilige il design, chi adora rilassarsi nei piccoli momenti quotidiani e chi invece preferisce vivere nuove esperienze. Per questo, trovare il regalo giusto significa andare oltre il classico dono e scegliere qualcosa che sappia davvero emozionare.

In questa guida ho raccolto tante idee regalo originali per la Festa della Mamma: oggetti belli e utili per la casa, accessori di stile, complementi d’arredo e proposte pensate per sorprendere con eleganza. Soluzioni per ogni gusto e budget, perfette per dire “grazie” con un gesto sincero e memorabile.

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10 proposte di idee regalo per la mamma

Profumatore Aurora di Vesta Design

Tra le idee regalo più raffinate per la Festa della Mamma, Aurora di Vesta Design è il perfetto incontro tra design e benessere quotidiano. Realizzato in cristallo acrilico, questo oggetto interpreta il profumo come vero elemento d’arredo, capace di trasformare gli spazi attraverso estetica, luce e atmosfera sensoriale.

Più di un semplice profumatore per ambienti, Aurora è un complemento decorativo pensato per arricchire la casa con eleganza e personalità. Le sue linee ricercate e la presenza scenografica lo rendono ideale da collocare in soggiorno, ingresso o camera da letto, dove aggiunge un tocco di stile unito a una piacevole identità olfattiva.

Ad accompagnarlo c’è Anima, fragranza esclusiva realizzata in collaborazione con Chiara Firenze, prestigioso brand italiano specializzato nelle essenze per la casa.
Una composizione sofisticata che si apre con note fruttate di pesca e uva, evolve nel cuore caldo del legno di cedro e si chiude con accenti avvolgenti di resina.

Aurora è un regalo perfetto per le mamme che amano gli ambienti curati nei minimi dettagli e desiderano circondarsi di oggetti belli, funzionali e capaci di emozionare ogni giorno.

Sul sito di Vesta design a 89,90 euro

Bicchieri di Simple Day

Un pensiero utile e dal forte valore affettivo è il set da 6 bicchieri acqua con decoro “Che bello mangiare dalla mamma”. Un’idea perfetta per chi ama accogliere famiglia e amici a tavola, trasformando anche i momenti più semplici in occasioni speciali.

Realizzati in vetro temperato, questi bicchieri uniscono estetica e praticità, offrendo resistenza all’uso quotidiano senza rinunciare allo stile.

Il design essenziale viene valorizzato dal decoro serigrafato in bianco, delicato ma d’impatto, pensato per celebrare con ironia e affetto il piacere dei pranzi preparati dalla mamma.

Ogni bicchiere ha una capacità di 35,5 cl ed è adatto al lavaggio in lavastoviglie.

Per preservare al meglio la decorazione, si consiglia una temperatura massima di 50° e l’utilizzo di detergenti non aggressivi. Il set viene consegnato in una scatola da sei pezzi in cartone riciclato: una scelta attenta anche all’ambiente.

Disegnati e prodotti in Italia, questi bicchieri rappresentano un regalo autentico, originale e perfetto per portare ogni giorno in tavola un sorriso.

Il set di 6 bicchieri costa 29,50 euro e li trovi qui.

La candela Violet Grove

Per una mamma che ama l’arte, il colore e gli oggetti dal carattere deciso, la candela profumata “Violet Grove” è un’idea regalo originale e ricercata. Nata dalla collaborazione con l’artista austriaca Ju Schnee, questa creazione unisce design contemporaneo e profumazione d’ambiente in un perfetto equilibrio tra estetica e sensorialità.

Il suo stile astratto, energico e vibrante trasforma la candela in un vero elemento decorativo, capace di portare personalità e creatività in ogni ambiente della casa.

Un oggetto che non passa inosservato e che conquista chi ama i dettagli fuori dal comune.

La fragranza “Violet Grove” si apre con note verdi fresche e luminose, arricchite dagli accenti delicati di fiore d’arancio e violetta. Sul fondo emergono tonalità più calde e avvolgenti di patchouli e legno di cedro, per un profumo elegante e sofisticato.

Una volta terminata la candela, il contenitore in ceramica può essere riutilizzato come scatola portaoggetti, diventando un accessorio versatile e sostenibile. Un regalo perfetto per sorprendere con stile e offrire un’esperienza che continua nel tempo.

La candela Violet Grove è del brand Motel a Miio e si trova sul loro sito a 89,90 euro.

Shopper “Make Crochet Not War”

La shopper “Make Crochet Not War” è un’idea regalo originale, ironica e contemporanea. Un accessorio pratico da usare ogni giorno che diventa anche un piccolo manifesto di pace.

Caratterizzata dai colori simbolo della pace e da un vivace pattern effetto crochet, questa shopper conquista per il suo design creativo e per il messaggio che porta con sé.

Su un lato compare infatti la scritta “Make Crochet Not War”, una reinterpretazione pungente della celebre frase “Make Love Not War”, capace di strappare un sorriso e allo stesso tempo invitare alla riflessione.

Il crochet, tornato protagonista nelle tendenze lifestyle e moda, è oggi apprezzato anche come attività rilassante, ideale per ridurre stress e ansia. Da qui nasce l’idea di un claim intelligente: quanto sarebbe diverso il mondo se più persone scegliessero creatività e pazienza al posto del conflitto?

Realizzata in 100% cotone con stampa all-over, è resistente, capiente e perfetta per la spesa, il tempo libero o le giornate fuori casa. Le dimensioni di 36×43 cm la rendono comoda e versatile, mentre la scritta stampata su un solo lato ne valorizza il design essenziale.

Un regalo perfetto per mamme ironiche, attente alle tendenze e con personalità da vendere.

Disponibile a 12 euro sul sito bolognanovecento.it

Vassoio Dune di Seta

Tra le idee regalo eleganti per la Festa della Mamma, il vassoio quadrato “Dune di Seta” è la scelta perfetta per chi ama circondarsi di oggetti raffinati e funzionali. Un complemento d’arredo versatile che unisce estetica contemporanea e praticità quotidiana.

Realizzato in vetro decorato e resina, si distingue per il suo suggestivo decoro astratto, ispirato a movimenti morbidi e texture sofisticate. Un design ricercato che lo rende ideale non solo per servire con stile, ma anche come elemento decorativo da esporre su tavoli, consolle o piani d’appoggio.

Pensato per interpretare l’arte dell’ospitalità in chiave moderna, “Dune di Seta” è perfetto per presentare colazioni, aperitivi o piccoli momenti conviviali con un tocco di classe. Allo stesso tempo, può trasformarsi in un elegante svuotatasche o base decorativa per candele e oggetti di design.

Disponibile anche nella versione tonda, è un regalo ideale per le mamme che apprezzano i dettagli sofisticati e amano rendere la casa accogliente con pezzi dal forte impatto estetico.

Il vassoio costa 48 euro

Vaso in vetro fatto a mano Boreale

Fiori e design contemporaneo, il vaso BOREALE di Ichendorf unisce entrambi, è un’idea regalo elegante e scenografica, capace di valorizzare ogni ambiente con un tocco di colore e originalità.

La sua forma distintiva nasce da un gioco di cilindri sovrapposti: il cilindro centrale, più stretto, accoglie i fiori dai gambi lunghi mantenendoli ordinati e slanciati, mentre un secondo cilindro esterno lo avvolge con delicate tonalità cromatiche, evocando la carta colorata di un bouquet appena donato.

Un concept raffinato che trasforma un semplice vaso in un vero oggetto decorativo.

Perfetto da collocare su tavoli, mensole o consolle, BOREALE dona carattere agli spazi anche quando non contiene fiori, grazie alla sua presenza estetica essenziale ma d’impatto.

Ogni pezzo è realizzato a mano, caratteristica che lo rende unico e irripetibile: leggere variazioni rispetto alle immagini testimoniano l’autenticità artigianale del prodotto.

Un regalo speciale per celebrare la Festa della Mamma con qualcosa di bello, personale e destinato a durare nel tempo.

Il vaso Boreale costa 69,90 euro e lo puoi acquistare qui.

Cornice Rift

Tra le idee regalo classiche c’è lui, portafoto: la cornice RIFT è perfetta per custodire e valorizzare i ricordi più belli con un tocco di stile contemporaneo.

Realizzata a mano, questa cornice si distingue per il suo originale design a blocchi, dinamico e giocoso, capace di aggiungere carattere a qualsiasi ambiente della casa. Un complemento d’arredo moderno che si inserisce con naturalezza su mensole, comodini, librerie o scrivanie, trasformando una semplice fotografia in un dettaglio di design.

Ideale per incorniciare un momento speciale in famiglia, una vacanza indimenticabile o uno scatto ricco di significato, RIFT rende ogni immagine protagonista e dona calore agli spazi attraverso i ricordi più preziosi.

Un regalo affettuoso e raffinato per celebrare la mamma con emozione e bellezza.

La trovi sul sito di Westwing a 22,90 euro

Set di 3 candelabri Stoff Nagel

Per una mamma che ama il design iconico e gli oggetti decorativi senza tempo, i portacandele modulari STOFF NAGEL rappresentano un’idea regalo originale e di grande effetto scenografico.

Pensati per dare spazio alla creatività, questi portacandele permettono di realizzare infinite composizioni scultoree, da modificare e reinventare ogni volta in base all’occasione o all’umore del momento.
Si possono impilare e combinare in strutture più scenografiche per una tavola importante oppure mantenere essenziali e minimal per un’eleganza quotidiana.

La loro bellezza risiede proprio nella flessibilità del sistema modulare: ogni elemento si collega perfettamente agli altri, trasformando la luce delle candele in una vera installazione decorativa. Un oggetto capace di valorizzare tavoli, consolle e mensole con uno stile sofisticato e contemporaneo.

Adatti a candele da tavola con diametro di 1,2 cm, i portacandele STOFF NAGEL sono il regalo perfetto per chi ama arredare con personalità e creare atmosfere calde, accoglienti e sempre diverse.

Il set di 3 candelabri Stoff Nagel costa 129 euro e lo trovi qui.

Tazze FAVOURITE

Tra i regali più semplici ma sempre apprezzati per la Festa della Mamma, le tazze FAVOURITE sono una scelta affettuosa, elegante e perfetta per accompagnare i piccoli rituali quotidiani.

Realizzate in finissima porcellana con una raffinata finitura smaltata ultra opaca, si distinguono per il loro design essenziale e contemporaneo.

Sul fronte sono incise parole speciali e citazioni pensate per emozionare, sorridere e trasformare una pausa caffè o tè in un momento ancora più piacevole.

Ideali per la colazione del mattino, una tisana serale o una pausa rilassante durante la giornata, queste tazze uniscono estetica e significato, diventando un pensiero personale capace di farsi ricordare nel tempo.

Le tazze FAVOURITE sono il regalo perfetto non solo per la Festa della Mamma, ma per ogni occasione importante. Un’idea versatile e sempre gradita, pensata per chi ama gli oggetti belli, utili e ricchi di messaggio.

Puoi acquistarla per 24,99 euro.

Portagioie Eden

Concludiamo questa selezione di 10 idee regalo per la Festa della Mamma con il portagioie EDEN firmato Jonathan Adler, un’idea regalo raffinata e dal forte carattere decorativo, perfetta per custodire con stile gli oggetti più preziosi.

Designer americano tra i più celebri nel panorama internazionale, Jonathan Adler è conosciuto per il suo stile glamour, ironico e sofisticato, capace di unire artigianalità, lusso contemporaneo e influenze moderniste.

Le sue creazioni sono amate in tutto il mondo per l’estetica distintiva e la capacità di trasformare gli oggetti quotidiani in veri pezzi di design.

Il portagioie EDEN riflette perfettamente questa filosofia: linee eleganti, proporzioni armoniose e una presenza scenografica che lo rende ideale da esporre su comò, vanity table o mensole. All’interno presenta una pratica suddivisione interna, pensata per organizzare anelli, collane, bracciali e piccoli accessori con ordine e praticità.

A completare il design, la raffinata nappa applicata sulla serratura, dettaglio decorativo che dona ulteriore fascino e personalità al pezzo.

Un regalo perfetto per la Festa della Mamma: utile, prezioso e firmato da uno dei nomi più iconici del design contemporaneo, il portagioie Eden costa 389 euro e lo trovi qui.

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L'articolo Idee regalo Festa della Mamma 2026: proposte originali per la casa e non solo proviene da ArsCity.

Il Salone del Mobile di Milano è l’appuntamento fondamentale per tutti gli operatori del settore, ma anche per gli appassionati del mondo dell’arredamento.
Ogni anno il Salone del Mobile anticipa il modo in cui vivremo gli spazi nei mesi successivi, mette in mostra trend e tendenze che vedremo sempre di più durante questo anno ma anche nel prossimo futuro.

Si tratta dell’occasione perfetta per cercare di capire come si muoverà il mercato, cosa vedremo nei negozi, quali nuovi arredi sono stati realizzati e quali sono i mood che sono stati individuati, i gusti e le esigenze che stanno emergendo tra i consumatori.

Non si tratta solo di arredi o materiali, ma passeggiando tra gli stand di Milano Rho Fiera, quello che subito colpisce è la palette colore degli allestimenti e degli oggetti proposti.

Spesso infatti è proprio il colore a raccontare il cambiamento più interessante e le palette viste nell’edizione 2026 parlano di una casa più sensoriale, calda, sofisticata e meno legata ai minimalismi neutri del passato recente.

Devo dire che mai come quest’anno il messaggio è estremamente chiaro e unanime: i colori della nostra casa saranno i caldi toni della terra, abbinati a colori di accento che andranno a rendere gli interni ancora più personali e avvolgenti.

Il colore è il vero protagonista di questa edizione del Salone del Mobile 2026, visto non come semplice decorazione ma utilizzato come elemento di progettazione, capace di conferire profondità e carattere agli ambienti, una scenografia che ci accoglie promettendoci benessere e comfort ma senza rinunciare allo stile.

Non il colore usato per sorprendere e attirare l’attenzione, ma utilizzato invece come elemento che contribuisce a creare interni equilibrati e che viene dosato per conferire carattere e brio quando necessario.

Dopo questa premessa, vediamo ora nel dettaglio, quali sono i colori che più ho visto al Salone del Mobile 2026 e come possiamo utilizzarli al meglio nelle nostre case.

I colori del Salone del Mobile 2026

Terracotta: il vero protagonista di questa edizione

Cominciamo dal vero protagonista di questa edizione, il colore presente praticamente in ogni stand, o nelle collezioni proposte o negli allestimenti realizzati in fiera: il terracotta.

Il colore terracotta lo conoscete tutti, è una tonalità calda e avvolgente che nasce dall’incontro tra arancione, marrone e rosso, ispirata al colore naturale dell’argilla cotta.
Richiama la terra, il sole e i materiali artigianali, trasmettendo una sensazione di comfort, autenticità e matericità.

Presente già negli interni proposti da qualche anno, vede nel 2026 la sua piena affermazione, confermandosi uno dei colori più amati del design contemporaneo.

Al Salone del Mobile 2026 è apparso direi dappertutto, su superfici materiche, imbottiti, complementi come tavoli, librerie e accessori vari, spaziando dallo stile classico a quello più minimal contemporaneo.

L’uso del colore terracotta si inserisce all’interno della palette di colori caldi terrosi che abbiamo già indicato come di tendenza quest’anno.

Assume poi varie sfumature, può presentarsi tendente più verso l’arancio oppure il verso marrone, più o meno saturo, con affetto cangiante o materico, a seconda anche dei materiali scelti e delle finiture.

È un colore che comunica accoglienza e stabilità, ideale per rendere gli ambienti più umani, caldi e vissuti.

Come usarlo in casa: perfetto su una parete del living, su vasi decorativi, cuscini o tappeti.
In cucina funziona molto bene con legni chiari e dettagli neri opachi.

Terracotta rosato: la versione più sofisticata

Tra la varianti del terracotta visto al Salone quest’anno, devo riportare anche la sua versione più raffinata e originale: il terracotta rosato.

Più delicato e contemporaneo, il terracotta rosato è la variante più elegante della famiglia dei toni caldi.

Meno rustico, più raffinato, crea ambienti morbidi e luminosi e diverse aziende hanno proposto complementi ricercati e originali proprio in questa variante di colore (e secondo me la vedremo parecchio in giro).

È una tonalità ideale per chi desidera calore senza appesantire lo spazio.

Ruggine: profondità e carattere

Restando sempre nelle nuance calde della terra, troviamo il colore ruggine, una delle tonalità più interessanti emerse nel 2026.

Intenso ma sofisticato, porta energia senza eccessi, da dosare con attenzione, soprattutto come colore d’accento, per portare personalità e profondità all’ambiente.

È perfetto per interni con personalità e per chi vuole uscire dai classici neutri.

Trasmette un senso di forza materica e si sposa perfettamente con superfici grezze o lucide, molto usato al Salone per evidenziare arredi e complementi, in ambienti arredati con colori neutri delicati.

Come usarlo in casa: ideale per una poltrona o una seduta da mettere in evidenza, molto scenografico lo vedo bene anche per arredi visivamente più importanti come tavoli e librerie. Molto bello con noce scuro, bronzo e pietra naturale.

Sabbia: il neutro evoluto

Il beige tradizionale lascia spazio a neutri più complessi come il sabbia: una tonalità morbida, luminosa e versatile, capace di rendere elegante qualsiasi ambiente senza risultare fredda.

È il colore perfetto per chi ama la sobrietà contemporanea, per chi vuole ambienti neutri, luminosi ed eleganti da personalizzare poi con accessori e tocchi di colore.

Come usarlo in casa: è la nuance perfetta come base per soggiorni e camere, da valorizzare con texture diverse: bouclé, lino, legno naturale, travertino e ceramiche opache.

Ocra: un tocco di luce calda

Tra i colori emersi al Salone del Mobile 2026 va inserito anche l’ocra, una tonalità calda e luminosa che richiama la terra mediterranea, i pigmenti naturali e la luce del sole.

Più raffinato del giallo classico e più materico rispetto alle nuance senape, l’ocra porta energia agli interni in modo elegante e misurato.

Al Salone si è visto su velluti, ceramiche, laccature opache e dettagli decorativi, spesso abbinato a legni scuri, travertino, terracotta e tonalità neutre.

È un colore che dona profondità agli spazi e crea immediatamente un’atmosfera accogliente e ricercata.

L’ocra è perfetto per chi desidera inserire colore in casa con gusto contemporaneo, senza eccessi.

Come usarlo in casa: abbinato ai colori terrosi, dal marrone al sabbia, molto utilizzato in piccoli complementi come pouff, tavolini e ceramiche.

Verde polveroso: natura urbana

Spostiamoci dalle tonalità della terra per cominciare a inserire del colore, sempre in maniera delicata, con richiami al mondo della natura e del relax.

Il verde polveroso è una delle nuance più raffinate viste al Salone: meno acceso del verde classico, più morbido e sofisticato, porta equilibrio e calma negli spazi.

Un colore da usare in combinazione con le tonalità soft viste finora, per portare ariosità ed eleganza.

Tra gli stand l’abbiamo visto usato in combinazione con il blu, dando vita ad una coppia insolita ma coerente con la ricerca di una casa sensoriale, attenta al benessere fisico e psichico di chi la abita.

Come usarlo in casa: molto bello su pareti, boiserie, cucine opache e divani in velluto. Da abbinare a rovere chiaro, crema e dettagli bruniti.

Rosso: ritorno controllato

In una palette neutra, il rischio è quello di ottenere ambienti eleganti ma troppo uniformi, quasi privi di ritmo visivo. È qui che entrano in gioco i colori d’accento: piccoli interventi cromatici capaci di rompere la continuità, creare punti focali e dare personalità allo spazio senza stravolgerne l’equilibrio.

L’idea non è “colorare tutto”, ma costruire una base calma e poi inserirvi tocchi mirati di colore più intenso: può trattarsi di un divano in tonalità profonda, di una poltrona scultorea, di ceramiche, opere d’arte o semplicemente tessili stagionali.

Questi accenti funzionano come pause visive: guidano lo sguardo, definiscono le gerarchie dell’ambiente e rendono lo spazio più dinamico e leggibile. Un interno completamente neutro tende a uniformarsi, mentre un interno con accenti cromatici acquisisce profondità e carattere.

Il segreto è l’equilibrio, pochi colori, ma scelti con intenzione. Un verde polveroso in un soggiorno sabbia, un blu profondo su base chiara, o un burgundy inserito in dettagli tessili sono sufficienti per trasformare completamente la percezione di una stanza.

In questo modo il colore non diventa decorazione fine a sé stessa, ma uno strumento progettuale che costruisce atmosfera e identità.

Il rosso è un colore d’accento che viene spesso utilizzato, una tonalità forte, passionale, capace di attirare sempre gli sguardi e che ben dialoga con gli interni neutri.

Come usarlo in casa: usalo a piccole dosi e con complementi che può facilmente spostare o sostituire come una sedia, una lampada, un tavolino o un’opera grafica. Su basi neutre l’effetto è immediato e sofisticato.

Blu profondo: eleganza senza tempo

Il blu profondo resta una certezza: intenso, autorevole e scenografico, al Salone 2026 è stato protagonista su cucine, pareti, imbottiti e superfici glossy.

Spesso abbinato in combinazione con il terracotta e la nuance più terrose, cattura lo sguardo ma senza disturbare.

Come usarlo in casa: per una parete in soggiorno, un mobile contenitore o un divano importante. Splendido con ottone, marmo chiaro e legni scuri.

Burgundy: lusso discreto

La sorpresa cromatica di questo Salone del Mobile 2026?
Direi assolutamente il burgundy.

Un colore a metà tra rosso e vino, una tonalità ricca, vellutata, sofisticata, è il colore ideale per chi cerca una presenza importante ma sensuale.

Come usarlo in casa:piccoli accessori tessili come cuscini ma anche tende teatrali, testiere imbottite o sedute. Da mixare con beige caldi, noce e metalli bruniti.

Viola: il nuovo inatteso

Il viola rientra negli interni attraverso tonalità mature come melanzana, prugna o smoky lilac, una scelta meno scontata, creativa e molto contemporanea.

Come usarlo in casa: meglio nei dettagli come plaid, opere d’arte, ceramiche, pouf o una parete in zone raccolte come ingresso o studio. Io che lo amo particolarmente, lo vedo perfetto per da usare per qualsiasi complemento, basta scegliere la giusta tonalità in base all’effetto finale che si vuole creare.

I colori degli interni 2027

Quali colori vedremo quinti nei nostri interni nel 2027?

Considerando le tendenze attuali possiamo fare qualche previsione su cosa aspettarci il prossimo anno. Sicuramente possiamo dire che vedremo ancora l’utilizzo di palette neutre calde, colori terrosi stratificati, un mix che crei ambienti avvolgenti e rassicuranti.

Nuance calde per le pareti ma soprattutto nei tessili, utilizzando materiali soffici, con texture evidenti che danno personalità e creano movimento.

Stiamo andando verso una casa sensoriale, un luogo che si prendere cura della nostra persona a 360 gradi, bisogna quindi porre attenzione a tutti i nostri sensi, dalla vista al tatto all’olfatto: un sapiente incontro di colori, luci, materiali, profumi.

Basi avvolgenti con tocchi di colori che accendono e che devono provocarci piacere, a seconda dei propri gusti si può puntare sul rosso, su colori sensuali e raffinati come il burgudy o il viola, oppure virare verso il blu profondo o le mille tonalità del verde.

La chiave non è scegliere un solo colore dominante, ma costruire equilibri tra basi neutre e accenti cromatici ben dosati. È proprio questo contrasto controllato a dare carattere agli interni contemporanei, rendendoli più dinamici, personali e riconoscibili.

Il risultato è una casa che non cerca più solo coerenza estetica, non è solamente un luogo di rappresentanza ma diventa il nostro rifugio, gli spazi diventano ambienti che raccontano la nostra storia e i nostri gusti, che ci accolgono e cambiano con la luce e con chi li vive.

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